Diapositiva 1

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El Fauvismo.
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El expresionismo siempre ha sido considerado como
un fenómeno teutónico y nórdico, pero su
aparición en la pintura moderna es el resultado
de una liberación del color y de la forma que
tuvo lugar en Francia y que culminó en el estilo
conocido como el fauvismo.
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En 1906 el grupo liderado por Henri Matisse (1869
1954) expuso en el Salon de los Independientes.
Es en esta exposicion donde el critico de arte
Louis Wauxcelles los describió como fauves
(bestias salvajes). Este grupo tuvo una breve
existencia, la mayoría de sus miembros pasaron a
otros estilos. El fauvismo represento el
nacimiento de la escuela de Paris y compartió la
responsabilidad de crear un arte del siglo XX.
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La primera exposición retrospectiva de las obras
de Vincent Van Gogh en 1901 tuvo un impacto en la
formación del grupo por el fervor de su color y
la fuerza emotiva de sus formas.
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Otra influencia importante seria Paul Gauguin,
que en 1889 se estaba acercando a un estilo que
combinaría la espontaneidad, el misticismo y un
completo desdén por la fidelidad a la naturaleza
con el uso de colores no descriptivos.
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Hay una total independencia del artista respecto
de cualquier punto de referencia que no fuera el
de su propia sensibilidad. No tiene ninguna
relación exclusiva con ninguna clase especial de
temática, sino que se ocupa del uso directo del
color y la forma, no para sugerir sino para
expresar.
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Liberación del arte de la descripción literal. El
fauvismo se llegó a conocer como el uso nada
inhibido del color afín de definir la forma y
expresar el sentimiento.
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Henry Matisse, desde la época de 1906 comenzaría
a producir sus obras más espectaculares, con una
evolución continua del color y su emancipación de
las convenciones perceptivas.
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Entre los vinculados a Matisse a principios de
siglo, el más íntimo fue Albert Marquet (1875
1947).
Marquet evitaba los colores brillantes y puros de
Matisse y se mantenía más próximo a las fuente
figurativas.
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André Derain (1880 - 1954) dio aportes a los
fauves, usó el color directamente del tubo
aplicando en líneas cortadas por pinceladas
rápidas e impetuosas.
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Su descubrimiento del uso emotivo del color debe
tanto a los puntillistas como a Van Gogh, creando
obras de una lucidez organizada, admirables por
su coherencia emocional.
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En Dama en camisa (1905) representa lo que es la
esencia del fauvismo multiplicidad de colores y
tonalidades, un pincel fluctuante y parecido a
llamas, exageración del rostro y los ojos, la
mano izquierda colgante y distorsionado y el uso
parcial de una línea de contorno para definir
aquellas partes de la figura que tenían un papel
dominante en la composición.
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La experiencia Fauve representó para numerosos
artistas un periodo de liberación. El escape de
las convenciones del realismo y de los limites de
la paleta convencional. Esto produjo una toma de
conciencia, sobre lo cual se construirían las
futuras carreras la que el artista debía
dedicarse a su propia visión personal y a la
creación de un mundo que fuera controlado por él
mismo.
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George Braque (1882 - 1963), durante unos tres
años, entre 1904 y 1907, produjo una serie de
obras, que aunque vívidas en color y exuberantes
en la línea, son reflexivas en la composición. Ya
tenia implícita una preocupación por la
construcción, una tendencia a las superficies
planas en la composición, elementos que
prefiguraban la aparición del cubismo.
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Georges Rouault, jamás sintió una simpatía por el
movimiento fauve, aunque el también se
interesaba en expresar, con el color, una
angustia retorcida, y en usar el arte como un
medio de manifestar un punto de vista personal y
antirrealista.
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Rouault construyó un estilo que varió poco en el
transcurso de toda su carrera. Con sus intereses
sociales y religiosos, desarrollo una iconografía
que trató temas religiosos.
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Incorporó prostitutas y payasos y todo lo que
representaba las grandezas y las miserias de la
condición humana. Rouault fue en el fondo un
fauve por la pasión estilística, los salvajes
latigazos de color y la necesidad de vehemencia.
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Expresionismo nórdico
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Edvard Munch (1863 1944) fue un ser
profundamente neurótico. Su madre murió cuando el
tenia cinco años, su padre era un medico que
practicaba su profesión en un barrio misérrimo.
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Creció en un ambiente dominado por las ideas de
la muerte, la enfermedad y la ansiedad. Las
imágenes que conoció en este periodo de su vida
permanecieron en su interior.
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A Munch le sedujo la idea de la muerte y la
enfermedad. Las luchas agónicas, las habitaciones
de enfermos y los elementos de la moralidad le
intrigaban.
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Edvard Munch tenía problemas de personalidad. Sus
neurosis son evidentes de tal manera que su obra
a menudo es la expresión grafica de la expresión
real. Él era conciente de ello y en su diario
confiesa la experiencia que creó uno de sus temas
más sintomáticos, El Grito.
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estaba caminando por un camino con dos amigos.
Se puso el sol. Sentí un ataque de melancolía. De
pronto el cielo se puso rojo como la sangre. Me
detuve y me apoye en una barandilla, muerto de
cansancio, y miré las nubes llameantes que
colgaban como sangre Mis amigos continuaron
caminando. Me quedé allí temblando de miedo. Y
sentí que un grito agudo e interminable penetraba
en la naturaleza.
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Munch forjó una técnica visual admirablemente
expresiva, combinando la línea curva y
latigueante con colores que iban de los agresivo
a lo sentimental, recuerda mucho las
composiciones de Van Gogh. En 1899 Munch había
viajado a París con una beca y se había puesto en
contacto con Van Gogh y Gauguin, teniendo este
último una fuerte influencia sobre él.
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Durante años vivió una vida cosmopolita, aunque
se vio obligado a pasar periodos ocasionales en
un sanatorio. En 1908 sufrió un colapso y se paso
un año en el hospital en Copenhague. En 1909
retorna a Noruega y allí paso el resto de su vida
en una relativa reclusión.
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Edvard Munch se interesó mas en los sentimientos
que en los objetos y sobre todo en los efectos de
los sentimientos en la gente y en las relaciones
humanas.
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En especial esto salta a la vista cuando se
compara su obra con la de su contemporáneo belga
James Ensor. Ambos eran extáticos en el enfoque,
ambos se interesaron en los aspectos oscuros de
la existencia.
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James Ensor (1860 1949) crea un universo
propio, habitado por figuras absurdas, vistosas,
emocionantes y sorprendentes que atrapan la
imaginación, estimulan la fantasía y producen ese
shock en la susceptibilidad del espectador que es
el primer objetivo del expresionismo.
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Siempre hay implicaciones literarias y sociales
en sus obras mas importantes. Esto es verdadero
en La entrada de Cristo en Bruselas que mete en
una composición masiva toda una serie de
episodios y situaciones grotescas y satíricas.
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Una gran masa de rostros feos y distorsionados.
Ensor atacó la primacía del elemento figurativo
en el arte y se inspiró en gran parte en un campo
que nunca había tenido un papel importante la
caricatura.
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La vida y la muerte, la grandeza absurda de la
condición humana fueron temas que le obsesionaron.
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Las figuras enmascaradas fueron casi un cliché en
el arte simbolista, pero Ensor fue el primero en
otorgarles el estatus de entidades
independientes, sugerentes signos de
interrogación en el carnaval de la vida. Ensor no
empezó a recibir un verdadero reconocimiento
hasta 1920, año en que había realizado lo mejor
de su obra.
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Expresionismo alemán Die Brücke.
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Aunque el expresionismo era un fenómeno europeo,
fue en Alemania donde logro su hegemonía. Fue
allí donde se convirtió casi en un estilo de vida
y donde asumió sus formas más radicales e
influyentes.
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El grupo Die Brücke (el puente) fue fundado en
1905 por cuatro refugiados de la escuela de
arquitectura de Dresden. No tenían una
experiencia pictórica, aunque vieron en la
pintura un medio de liberación, un medio de
expresar un mensaje social.
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Influenciado por Van Gogh, por los grabados en
madera alemanes de la Edad Media y por la
escultura africana y de Oceanía, Ernst Ludwig
Kirchner (1880 1938) se interesó en explotar
todas la técnicas pictóricas y de composición que
pudieran transmitir una sensación de experiencia
vivida e inmediata.
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En 1911, Kirchner y sus amigos se trasladarían a
la atmósfera metropolitana de Berlín, para
entonces ya había adquirido considerables
habilidades técnicas, inventadas para sus propios
propósitos.
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Los expresionistas se enamorarían del bajo mundo
de Berlín con sus prostitutas, sus rufianes y
gángster.
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Dos mujeres en la calle (1911). Figuras oscuras,
con cuerpos siniestros y largos, y sus sombreros
fantásticos, están ubicadas contra un fondo
verde. Es virtualmente abstracto y de una
considerable complejidad en la composición.
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Erich Heckel (1883 1970). Sus primeras pinturas
tienen la vehemencia descontrolada del iniciado.
Los colores y las formas se arremolinan juntos en
una especie de tormenta pictórica. El pigmento
puro y no diluido tiene la misma vehemencia que
la de algunos cuadros de Van Gogh.
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En 1909 Heckel viajó a Italia, donde le
impresionó el arte etrusco se fascino con la
idea de la luz y se dedicó a expresar en sus
obras esas cualidades. El primer fruto de esta
nueva inclinación fue Desnudo en un sofá (1910)
que ejemplifica de forma perfecta la
clarificación que hizo Kirchner de la declaración
original del Brücke.
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la pintura es un arte que representa un fenómeno
de sentimiento sobre una superficie plana. El
medio empleado en la pintura es el color. El
pintor transforma un concepto procedente de sus
propias experiencias en una obra de arte. La
pintura recupera la libertad de acción. La
transfiguración instintiva de la forma, en el
mismo instante del sentimiento, es plasmada
impulsivamente en la superficie plana.
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Karl Schmidt Rottluff (1884 1976). Las figuras
apenas aparecieron en sus pinturas. Su
tratamiento vigoroso y simple, sus colores
fuertemente saturados y las grandes áreas de
composición indefinibles, lo llevaron al borde de
la abstracción pura.
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(No Transcript)
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Su traslado a Berlín fue lo que le alejó de los
paisajes y le acercó a las figuras y a las
naturalezas muertas. La composición es compleja y
fragmentada. Las figuras humanas aparecen casi
como estatuas prístinas.
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Expresionismo alemán Der Blaue Reiter.
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Der Blaue Reiter (El jinete azul). El nombre del
grupo tuvo su origen en una conversación
mantenida entre dos de sus fundadores Wassily
Kandinsky y Franz Marc. Kandinsky recordaría
Franz Marc y yo elegimos ese nombre cuando un
día estábamos tomando café A los dos nos
gustaba el azul, a Marc para los caballos, a mi
para los jinetes. Entonces el nombre salió por si
mismo.
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En 1911 Kandinsky y Marc fundaron Der Blaue
Reiter. Realizaron una serie de exposiciones en
Munich y Berlín. Los miembros de Der Blaue Reiter
Exploraron el espacio imaginario y declararon su
independencia de los limites del mundo visible.
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Wassily Kandinsky (1866 - 1944) nació y se educó
en Rusia en 1895, convertido al arte al ver una
exposición de impresionistas franceses en Moscú,
fue a Munich a dedicarse a la pintura.
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Su pintura era en sus comienzos predominantemente
Art Nouveau con acentos simbolistas, pero ya
poseía cualidades alusivas y emocionales.
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Influencia de Cezanne, Matisse y Picasso. Las
formas visuales empezaron a perder sus cualidades
descriptivas
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La temática ya no tiene mayor importancia. Lo que
importa es la sensación de dinamismo y los
colores de fuertes contrastes
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A partir de 1910, Kandinsky continuó pintando
cuadros en los que aun eran discernibles los
elementos figurativos, pero al mismo tiempo hizo
obras en la que tanto las formas como los colores
pertenecen a un mundo propio y deben poco a
cualquier fenómeno visual reconocible.
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Kandinsky utiliza la palabra GEISTIG, traducido
como espiritual para describir los elementos
irreal de su pintura. Deseo de lograr una
síntesis de pensamiento y sentimiento, ciencia y
arte, de lógica e intuición.