Presentaci

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Los Ismos Del Siglo XX
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El arte del siglo XX se caracteriza por
configurarse de múltiples corrientes que se
denominan ismos. No todas las tendencias se
suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas
son coetáneas y tienen interrelaciones entre
ellas. Las vanguardias no se pueden entender
intentando establecer un orden cronológico. Es
un tópico el considerar el arte del siglo XX como
ruptura con respecto a lo anterior, pero esta
ruptura no comienza a principios del siglo XX,
sino a fines del XIX. El año 1863 se puede tomar
como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el
año en que Manet pinta Almuerzo sobre la hierba,
que se expuso en el Salón de los Rechazados. La
obra poseía antecedentes del Renacimiento
italiano en cuanto a temática, pero el modo de
plantearlo causó escándalos. El Impresionismo y
luego el Postimpresionismo constituyen el punto
de partida para las corrientes del siglo XX.
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Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863.
Óleo sobre tela.
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Expresionismo
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El expresionismo surge en Alemania en la primera
década del siglo XX, como oposición al
positivismo materialista imperante en la época,
en un intento de ofrecer una nueva visión de la
sociedad basada en la filosofía nietzschena
(llena de nihilismo) y la renovación del arte
basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial,
atendiendo exclusivamente al sentimiento vital y
sin someterse a ninguna regla.El expresionismo
es un movimiento que no sólo atañe a las artes
plásticas sino también a la música, el cine y las
demás artes.
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En la evolución de la pintura expresionista
alemana existen tres momentos distintos. El
primero se desarolla en Dresde, a raíz de la
constitución en 1905 del grupo Die Brucke (El
Puente), y dura hasta 1913 el segundo se
desarrolla en Munich de 1910 a 1914 y está
protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El
jinete azul), del que surgirá la primera pintura
abstracta el tercero se desarrolla en el período
de entre guerras (desde comienzos de los años
veinte hasta 1933, año en el que subió al poder
el nazismo) y está unido al concepto de "Neue
Sachlichkeit" (nueva objetividad), con un
planteamiento muy distinto del expresionismo
inicial desarrollado por los otros grupos
citados.El expresionismo alemán se extendió a
países como Holanda, Bélgica y Francia.El
régimen nazi alemán definió al expresionismo como
"arte degenerado", los artistas de esta tendencia
fueron proscritos y muchas de sus obras
destruidas.
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• CARACTERÍSTICAS
• La pintura es concebida como una manifestación
  directa, espontánea y libre de convenciones de la
  subjetividad del artista basada en una necesidad
  interior (carácter instintivo y exaltada en Die
  Brucke / carácter espiritual y sosegada en Der
  Blaue Reiter).
• Liberación del contenido naturalista de la forma
  mediante la libre interpretación de la realidad
  (las imágenes son creadas, no copiadas), para así
  expresar el mundo interior, subjetivo, del
  artista.
• Utilización de diversos recursos en la
  interpretación subjetiva de la realidad
  desproporción y distorsión de las formas según un
  impulso interior esquematización o reducción de
  las formas a lo esencial atendiendo a un
  sentimiento vital de depuración de lo objetivo
  (por este camino Kandinsky llegará a la
  abstracción total).
• Utilización del color y el trazo para expresar
  simbólicamente estados de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional.
  Aglomeración de formas y figuras.
• Ausencia de carácter decorativo.

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Edvard Munch, El grito, 1893, ceras, pastel y
témpera sobre papel cartón, 835 x 66 cm, Munch
Museet, Oslo.
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Edvard Munch, Madonna, 1893-1894, óleo sobre
lienzo, 90 x 685 cm, Munch Museet, Oslo.
10
Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo
sobre lienzo. 181 x 220 cm. Öffentliche
Kunstsammlung. Basilea
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Emile Nolde. La última Cena (1909)
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El Cubismo
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Término creado por un crítico de arte (el crítico
francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras
de este movimiento de principios del siglo XX,
afirmó que "desprecian la forma y lo reducen
todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas
geométricos, a cubos". El cubismo tiene sus
bases en Cézanne. La pintura cubista quedó
formalmente fundada en 1907 con la obra de
Picasso, "Las Señoritas de Aviñón". Picasso y
Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un
análisis objetivo de la realidad de la pintura,
que para ellos, necesariamente debía fundarse en
la realidad bidimensional del lienzo. Por eso,
junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de
profundidad, limitaron los colores a los tonos
grises, verdes y marrones, para que el análisis
temático de la estructura corpórea fijada en el
espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el
collage, buscaron la liberación formal del color
de su tradicional carácter descriptivo.
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Las características de un nuevo lenguaje  En
el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo
son descubrimientos

1. Independencia y autonomía de planos, estallido
   del volumen Los planos son objeto de estudio en
   sí mismos, y no en visión global del volumen, de
   ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes
   se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota
   también la línea de contorno, se interrumpe el
   trazo lineal. Por eso se compara el resultado de
   este proceso con el reflejo en un espejo roto o
   con la visión a través de un caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple Viene dada por el estudio
   de cada plano en su autonomía. Se rompe con la
   perspectiva monofocal albertiana. La pintura se
   ha liberado del yugo de la tradicional visión
   monocular. Se multiplican los ángulos de visión
   de un mismo objeto. Así se ofrece una visión
   compleja del mismo ente, que se puede presentar
   al mismo tiempo de cara, de perfil o desde
   cualquier otro ángulo significativo.

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1. Desaparición de gradaciones de sombra y luz Esto
   viene dado por la descomposición del volumen.
2. Color "Tono Local" El color no aporta
   indicaciones suplementarias. Por lo general se
   aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en
   llamar Color Passepartout, apto para todos los
   objetos, pero que no consiste en el verdadero
   color de ninguno de ellos
3. Geometrismo Los formas geométricas invaden las
   composiciones. Las formas observadas en la
   naturaleza, son traducidas en cilindros, conos,
   esferas y cubos. La retina capta las formas y la
   mente del pintor las simplifica.
4. Base filosófica  Las aportaciones filosóficas de
   Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él
   afirma que el observador acumula en su memoria
   una gran información sobre un objeto del mundo
   visual externo. Los pintores cubistas vuelcan
   esta experiencia distorsionando y superponiendo
   paisajes. No se trata de reflejar la realidad
   misma, sino la idea de realidad que posee el
   artista.

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• Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico
  del Cubismo, escribió Méditations esthétiques.
  Les peintres cubistes en 1913. En esta obra
  estableció las tipología y etapas del Cubismo
• Científico,
• Órfico
• Instintivo.
• Otros especialistas se han referido a las etapas
  con otros nombres como fase analítica, fase
  hermética y fase sintética.
• Todas estas denominaciones responden a un deseo
  de taxonomizar la inevitable evolución del
  Cubismo.

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1. Fase analítica En el primer momento, se partió
de la observación de la realidad para proceder
después a su "destrucción". Resultaba un conjunto
de planos indescifrable, lo que es en definitiva
es la obra cubista.
Pablo Picasso. Frutero y pan sobre una mesa
(1909)
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2. Fase hermética Para paliar la confusión y la
difícil lectura de las obras analítica, Picasso y
Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se
empiezan a introducir detalles figurativos y
esquematizados para estimular la comprensión. Por
ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a
identificar la posible existencia de un
instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En
esta etapa también se hizo habitual la imitación
"realista" de caracteres de imprenta, letras o
cifras, que lleva a la comprensión de que nos
hallamos ante la presencia de un periódico, de
una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza
a imitar la madera o el mármol para sugerir por
ejemplo un violín.
Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard.
(1910)
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3. Fase sintética, el collage como paso previo a
la escultura En esta fase se dio un nuevo paso.
Ya no hay razón para imitar minuciosamente una
etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar
real y se pega, es la técnica del Papier collé,
inventada por Picasso y por Braque . Se podían
pegar papeles en otro tipo de material, como
estera, hule... en el momento en que se
incorporan materiales cotidianos se da un paso
más, asistimos al nacimiento del Collage.
      El primero que lo practicó fue Braque. La
idea es bastante audaz porque antes nunca se
había incorporado al arte un fragmento de la
vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en
todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y
vida. El collage nos ayuda a recuperar el
referente concreto. A partir de este momento ya
no interesó el análisis minucioso, sino la imagen
global. Sobre la superficie del soporte se pegan
papeles, telas y objetos diversos, de ahí que
comience a hablarse de la "introducción de
intrusos".
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Con el collage se inaugura una serie de técnicas
que comportan una revisión total del acto
pictórico en sí, y se ofrecen al artista
infinitas posibilidades de variación. Con el
collage la técnica cambia, no sólo se trata de
pintar, sino también de añadir y construir. Esta
técnica constructiva, hace que se camine
lógicamente hacia la escultura y su
tridimensionalidad. El pincel es sustituido por
las tijeras y la cola, y después los clavos y la
soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a
formar parte de un conjunto estético. Los
materiales se descontextualizan, se hacen
enigmáticos y adquieren características propias.
Pablo Picasso. Guitarra. (1913)
21
Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.óleo
sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.
22
Pablo Picasso Las Señoritas de Avignon,
1907Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of
Art, New York City .
23
Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65
cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de
Arte Reina Sofía , Madrid.
24
Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una
mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ,
Madrid.
25
Pablo Picasso . El poeta (1910)
26
Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar)
(1911-12)
27
Georges Braque. Viaducto en Lestaque. 1908.
28
Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908,
óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.
29
Georges BraqueCasas en LEstaque, 1908óleo
sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern.
30
Dadaísmo
31
El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura
hasta 1922. La denominación "dada" (caballito)
corresponde al primer término que apareció en un
diccionario de alemán-francés abierto al azar y
fue adoptado por un movimiento literario y
artístico que pretendía cambiar la sociedad, la
cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la
negación de la racionalidad y de todos los
valores establecidos hasta entonces. Sus
fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y
el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se
extendió a Berlín, Colonia, París y Nueva York,
donde se constituyó el núcleo más progresista en
torno a Duchamp. La actividad de este artista se
caracterizó por la atribución de un nuevo valor a
objetos descontextualizados (los llamados
ready-mades). A partir de 1920, muchos de los
artistas plásticos de este movimiento
evolucionaron hacia el surrealismo.
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• CARACTERÍSTICAS
• Expresión irónico-satírica de los valores
  artísticos establecidos por la tradición y
  también por la vanguardia fauve y expresionista
  (actitud anti-arte).
• Integración de técnicas distintas con empleo de
  fragmentos de materiales (collage y décollage) y
  objetos de desecho cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y
  academicista y cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a
  lo instintivo e irracional (lo absurdo, el
  sinsentido y el azar establecen la identidad
  entre el arte y la vida). Feísmo.
• Liberación del subconsciente (se produce una
  transición al surrealismo y al arte
  semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
• Auge del disparate.

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• Expresión libre de la forma artística todas las
  cosas de la realidad pueden ser objeto artístico
  (Marcel Duchamp crea sus ready-mades Término
  utilizado por Marcel Duchamp para designar los
  objetos del entorno (un botellero metálico, un
  urinario, una rueda de bicicleta sobre un
  taburete de cocina, etc.), carentes de valor
  artístico en si mismos, pero que al ser
  presentados fuera de su contexto habitual
  adquieren un sentido distinto, cuestionando el
  concepto tradicional del arte y recabando para
  ellos el sentido de objetos artísticos
• Temática en la que predominan los mecanismos
  absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una
  visión irónica de la máquina, de las cualidades a
  ella asimiladas y de la creciente importancia de
  lo mecánico en la sociedad moderna de la época).
• Utilización de nuevas técnicas el fotomontaje,
  variante nueva del collage introducida por R.
  Hausmann, realizado a base de imágenes
  multiplicadas y superpuestas, tomadas de
  periódicos, revistas y anuncios y el "merz" o
  collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters)
  a base de materiales de desecho de todo tipo y
  estado.

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Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto
Pronto, 1913
35
En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la
galería Grand Central de Nueva York a formar
parte del jurado de una exposición de artistas
independientes. Sin informar a nadie, el propio
Duchamp envió para exponer en esa exposición este
urinario de porcelana blanca firmado con el
seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue
rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al
jurado y el incidente causó un escándalo que
sacudió al mundo del arte.
36
Francis PicabiaParada Amorosa, 1917, Acuarela
37
Kurt SchwittersMerz 199-2, 1921
38
Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels
Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada
39
Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920
40
Surrealismo
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El movimiento surrealista nace en Francia
finalizada la primera guerra mundial. Surge en el
ámbito literario, pero pronto lo abarca todo,
pensamiento, artes plásticas, cine y teatro. El
término fue inventado por Apollinaire en 1917, y
se popularizó en la revista Littérature, fundada
en 1919 por André Breton, L. Aragon y Ph.
Soupault. En esa revista publicaban sus
planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard,
Francis Picabia y Man Ray, entre otros muchos
autores. En 1924 se produce el primer manifiesto
surrealista de Breton, que da cuerpo al
movimiento. Su ideal era sobrepasar la realidad y
llegar a una renovación de todos los valores
culturales, morales y científicos por medio del
automatismo psíquico. La producción surrealista
se caracterizó por la exaltación de los procesos
oníricos, el humor corrosivo y el erotismo,
concebido todo ello como armas de lucha contra la
tradición, la moral y la cultura burguesa.
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Los planteamientos del movimiento surrealista
contra la tradición y vida burguesa tenían una
raíz política y un sector del surrealismo empezó
a considerar insuficientes las manifestaciones
culturales y se afilió al Partido Comunista
Francés. Surgieron así las primeras discrepancias
en el seno del movimiento a propósito de la
relación entre arte y política. Se sucedieron
manifiestos contradictorios y el movimiento
comenzó a disgregarse. A pesar de su deterioro,
en 1938 se celebra en París la Exposición
Surrealista Internacional, debido a que el
movimiento se había extendido por muchos países.
En el campo de las artes plásticas, los pintores
surrealistas se manifiestan de dos maneras
diferentes, los surrealistas figurativos,
interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux
y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo
y de las técnicas y recursos pictóricos
tradicionales y los surrealistas abstractos, que
practican el automatismo psíquico puro (Masson,
Miró) e inventan universos grafico-plásticos
propios.
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• CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter
  onírico basada en las técnicas del inconsciente
  de Freud (el carácter figurativo desaparece en el
  llamado "surrealismo abstracto").
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el
  inconsciente, la magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares (reales o
  irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su
  significación tradicional (principio de la
  "desorientación"), el observador queda
  desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una
  misma cosa puede ser interpretada de varias
  maneras (principio de la "discordancia"), por
  ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un
  animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la
  caducidad, la destrucción y lo misterioso.

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• Además de lo onírico, representación de toda
  clase de simbologías, especialmente eróticas y
  sexuales.
• Toca todos los estilos clásico, barroco,
  ingenuismo, futurismo, etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva
  cónica, exagerando la sensación de profundidad
  (creación de grandes espacios y lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e
  ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado
  del dibujo y la figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.
• Invención de nuevos métodos y técnicas pintura
  automática, frottage y grattage.

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• Pintura automática. Pintura realizada mediante el
  método del automatismo psíquico. Los surrealistas
  utilizarán ese método con la intención de
  transformar directamente el estado psíquico del
  artista en una expresión pictórica, en la que el
  acto creador no sea influido estilísticamente por
  el pensamiento organizativo racional.
• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en
  1925. Consiste en transferir al papel o al lienzo
  mediante fricción o frotamiento, una superficie
  rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera.
  Las dibujos y texturas que resultan se utilizan
  como punto de partida de la pintura automática
  para la realización posterior de imágenes
  fantásticas.
• Grattage. Técnica consistente en pintar colores
  repartiéndolos arbitrariamente sobre una tabla de
  madera. Una vez secos, son rascados o grabados
  con una cuchilla o un punzón afilado creando
  dibujos o graffitis sobre la superficie
  coloreada. Esta técnica también se utilizó como
  punto de partida de la pintura automática.

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Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x
150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía, Madrid.
47
Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria,
1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of
Modern Art. New York.
48
Salvador Dalí.Sueño Causado por el Vuelo de una
Abeja en Torno a una Granada un Segundo antes de
Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo,
Foundación Thyssen-Bornemisza, Thyssen Museum,
Madrid.
49
Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus,
1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo,
Metropolitan Museum, New York.
50
René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)
51
René Magritte. La condición humana
(1933) National Gallery of Art, Washington
52
René Magritte. El imperio de las luces
(1954) Museo Peggy Guggenheim. Venecia.
53
René Magritte El dominio de Arnheim (1949)
54
Joan Miró. Nocturno (1940).
55
Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966
56
Pop Art
57
Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se
convierte en el estilo característico de los años
sesenta.El término de Pop art" (abreviación de
"popular art") fue utilizado por primera vez en
1954 por el crítico Lawrence Alloway para
denominar al arte popular que estaba creando la
publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y
las revistas ilustradas.La vanguardia artística
de mediados de los años cincuenta se inspira en
este arte popular de la sociedad de consumo para
crear obras figurativas con una temática
absolutamente directa que las haga accesibles al
público en general.Surge como reacción contra
el expresionismo abstracto tan alejado de la
realidad y de la comprensión del público.En
Europa, una tendencia relacionada con el pop
norteamericano recibe el nombre de "nouveau
realismo" (nuevo realismo).
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• CARACTERÍSTICAS
• Rechazo del expresionismo abstracto e intento de
  volver a poner el arte en contacto con el mundo y
  la realidad objetual.
• Lenguaje figurativo y realista referido a las
  costumbres, ideas y apariencias del mundo
  contemporáneo.
• Temática extraída del medio ambiente urbano de
  las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y
  culturales comics, revistas, periódicos
  sensacionalistas, fotografías, anuncios
  publicitarios, cine, radio, televisión, música,
  espectáculos populares, elementos de la sociedad
  de consumo y del bienestar (alimentos enlatados,
  neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).
• Ausencia de planteamiento crítico los temas son
  concebidos como simples "motivos" que justifican
  el hecho de la pintura.
• Tratamiento pictórico de forma no tradicional
  aunque el lenguaje es figurativo y representa
  objetos reales, no se concentra exclusivamente en
  sus cualidades formales, sino que combina éstas
  con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias
  al empleo de imágenes familiares y fácilmente
  reconocibles.

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• Representación de carácter inexpresivo,
  preferentemente frontal o repetitiva.
• Combinación de la pintura con objetos reales
  integrados en la composición de la obra (las
  combine paintings de Rauschemberg) flores de
  plástico, botellas, etc., en un nuevo
  planteamiento dadaísta acorde con los nuevos
  tiempos (neodadaísmo).
• Preferencia por las referencias al "status"
  social, la fama, la violencia y los desastres
  (Warhol), la sexualidad y el erotismo
  (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología
  industrial y la sociedad de consumo (Ruscha,
  Hamilton, etc.).
• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los
  grandes formatos de las imágenes del comic de
  Lichtenstein).
• Colores puros, brillantes y fluorescentes,
  inspirados en los empleados en la industria y los
  objetos de consumo.

60
Andy Warhol, Lata de sopa Campbell.
61
Andy Warhol, Elvis, 1964.
62
Andy Warhol, Marilyn.
63
Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and
Marcel Duchamp), 1960oil, charcoal, paper,
fabric, metal on canvas, drinking glass (not
original), metal chain, spoon90 x 118 in.
64
Robert RauschenbergRétroactive 2.
1964Sérigraphie et peinture à l'huileGalerie
LLena Sonabend, Paris
65
Tom Wesselmann Great American Nude No. 98, 1967
66
Jasper Johns. Flag (1954)
67
Roy Lichtenstein,El beso.
68
Roy Lichtenstein Woman in Bath, 1963Oil on
canvas171 x 171 cm Museo Thyssen-Bornemisza,
Madrid
69
Los Ismos
Artes Visuales Ramón Muñoz Coloma
rmunoz_at_ceat.cl