LOS 40 PRINCIPALES

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LOS 40 PRINCIPALES

• VERONICA RODRIGUEZ HERNANDEX
• 1º EDUCACIÓN PRIMARIA T1

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PINTORES
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SANDRO BOTTICELLI

• Sandro Botticelli (1445 - 1510). Uno de los
  pintores más destacados del renacimiento
  florentino. Desarrolló un estilo personalísimo,
  caracterizado por la elegancia de su trazo, su
  carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus
  líneas. Nació en Florencia, hijo de un curtidor,
  y su verdadero nombre era Alessandro di Mariano.
• Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller.
  Dedicó casi toda su vida a trabajar para las
  grandes familias florentinas, especialmente los
  Medici, para los que pintó retratos .
• Para el año 1470, Botticelli tendría taller
  propio. Ya entonces su obra se caracteriza por
  una concepción de la figura como vista en
  bajorrelieve, pintada con contornos claros, y
  minimizando los fuertes contrastes de luz y
  sombra que indicarían formas plenamente
  modeladas. Recibió ese año un importante encargo
  una de las pinturas sobre Virtudes para la Sala
  del Tribunal de los Mercaderes, La fortaleza.
• Se dice que cayó en la pobreza, y que habría
  muerto de hambre si no hubiera sido por la
  diligente ayuda de sus antiguos patrones. Lo
  cierto es que sigue produciendo obras, si bien en
  un tono más dramático y con una consciente
  regresión estilística hacia modelos antiguos,
  como puede verse en la serie sobre la Vida de san
  Cenobio y la Natividad mística (1501),
  consideradas sus últimas obras.

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OBRAS

• Nacimiento de Venus
• Es una pintura de Sandro Botticelli (1445
  1510). El nacimiento de Venus representa una de
  las obras cumbres del maestro italiano. Está
  ejecutada al temple sobre lienzo y mide 184,5
  centímetros de alto por 285,5.
• El retorno de Yudit
• La Primavera
• Es una de las obras maestras del pintor
  renacentista Italiano Sandro Botticelli. Está
  realizado al temple sobre tabla. Mide 203 cm de
  alto y 314 cm de ancho.

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LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI  

• Artista, pensador e investigador italiano que,
  por su insaciable curiosidad y su genio
  polifacético, representa el modelo más acabado
  del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452
  - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era
  hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no
  le permitió conocer a su madre, una modesta
  campesina.
• Leonardo se formó como artista en Florencia, en
  el taller de Andrea Verrochio pero gran parte de
  su carrera se desarrolló en otras ciudades
  italianas como Milán (en donde permaneció entre
  1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico
  Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para
  Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes
  plásticas, no se ha conservado ninguna escultura
  suya y parece que ninguno de los edificios que
  diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra
  como escultor y arquitecto sólo quedan indicios
  en sus notas y bocetos personales
• .Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a
  tal cantidad de objetivos diferentes que apenas
  ejerció influencia sobre la marcha de los
  distintos campos que tocó (aunque sí obtuvo un
  gran prestigio personal, que ha perdurado hasta
  nuestros días) muchos de los proyectos que
  emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos
  atrajeron su interés y, en cuanto a los
  inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero
  no se esforzó por plasmarlas en modelos viables
  que pudieran funcionar, por lo que la mayoría de
  sus investigaciones fueron especulaciones
  teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se
  concentró a partir de 1516 cuando, con las manos
  afectadas por una parálisis, pasó a vivir en
  Francia bajo la protección de Francisco I.

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OBRAS

• MONA LISA
• Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 X 53 cm,
  pintado entre 1503 y 1506,1 . La técnica usada
  fue el sfumato, procedimiento muy característico
  de Leonardo. El cuadro está protegido por
  múltiples sistemas de seguridad y ambientado para
  su preservación óptima.
• LA ULTIMA CENA.
• entre 1495 y 1497 Se encuentra en la pared sobre
  la que se pintó originariamente,en Milán.Un mural
  ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de
  preparación de yeso extendidas sobre enlucido.
  Mide 460 cm. de alto por 880 cm. de ancho.
• LA VIRGEN DE LAS ROCAS.
• es un nombre usado para denominar dos cuadros de
  Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica
  pictórica de óleo sobre lienzo.

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MIGUEL ANGEL

• Fue un escultor, pintor y arquitecto, nació en
  Caprese el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma el
  18 de febrero de 1564.
• Desarrolló su labor artística a lo largo de más
  de setenta años entre Florencia y Roma, que era
  donde vivían sus grandes mecenas, la familia
  Médicis de Florencia, y los diferentes papas
  romanos.
• Fue admirado por sus contemporáneos, que le
  llamaban el Divino.
• Triunfó en todas las artes en las que trabajó,
  caracterizándose por su perfeccionismo.
• La escultura, según había declarado, era su
  predilecta y la primera a la que se dedicó
• Después se dedicó a la pintura y se concretó en
  una obra excepcional y magnífica, La Capilla
  Sixtina. Miguel Ángel empezó también la Piedad
  Rondín, que sería la última escultura en la cual
  trabajaría hasta la vigilia de su muerte. La
  dejó, inacabada, como legado, en 1561, a su fiel
  servidor Antonio del Franzese. Se mantuvo durante
  siglos en el patio del Palazo Rondanin

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OBRAS.

• SANTO ENTIERRO.
• es un cuadro inacabado atribuido al pintor
  renacentista italiano Miguel Ángel. La datación
  es alrededor de 1500-1501. Una una técnica mixta
  (témpera y óleo). El centro del cuadro representa
  a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con
  barba que está tras él es José de Arimatea, el
  hombre que dio su tumba para la sepultura de
  Cristo.
• LA CREACIÓN DE ADÁM
• es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina
  pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511.
  Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el
  cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre
  (según la tradición bíblica). Cronológicamente es
  el cuarto de los paneles que representan
  episodios del Génesis en el techo de la capilla,
  fue de los últimos en ser completados y es una de
  las obras de arte más apreciadas y reconocidas en
  el mundo.
• EL TONDO DONI.
• (1504, 1505). En primer plano está la Virgen con
  el Niño y detrás, san José, de grandiosas
  proporciones y dinámicamente articulado llaman
  la atención las imágenes tratadas como esculturas
  dentro de una disposición circular de 120 cm de
  diámetro y con una composición en forma piramidal
  de las figuras principales La base de la línea
  triangular es la marcada por las piernas de la
  Virgen colocada de rodillas

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ANDREA MANTEGNA

• Nació probablemente cerca de Vicenza, Italia. A
  los 10 años comienza a trabajar en el taller de
  pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los
  17 años se independiza, cansado de que su talento
  artístico sea apropiado por su mantenedor.
• Él frecuenta los anticuarios de la ciudad,
  presta especial atención a la pintura y el arte
  de la antigua Roma y va perfilando su propio
  estilo. Sus primeros trabajos importantes los
  realiza en la capilla de San Jacopo y San
  Cristoforo de Ovetii, junto con Ansuino da Forli,
  perdidos en su mayor parte tras los bombardeos
  sobre la ciudad en la II Guerra Mundial.
• También antes de los 30 años realiza el San
  Sebastián en Viena, explotando su fama por toda
  Italia.
• Mantegna produjo así mismo diversos grabados,
  medio apropiado para difundir su dibujo incisivo.
  Con todo, su autoría no es segura y se cree que
  al menos algunas planchas fueron terminadas por
  ayudantes de su círculo.

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OBRAS

• CRUCIFIXIÓN (1457-1459)
• En estas tres tablas encontramos una marcada
  influencia de la pintura flamenca en el paisaje,
  en la expresividad excesiva de algunas de las
  figuras y en la minuciosidad "fotográfica" de los
  ropajes. Realizada en tempera sobre madera.
• TRÁNSITO DE LA VIRGEN (1461)
• Es una de las obras más conocidas del pintor
  italiano Andrea Mantegna. Es un óleo sobre tabla,
  pintado hacia el año 1461. Mide 54 cm de alto y
  42 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo
  del Prado de Madrid.
• EL CRISTO MUERTO
• Es uno de los más célebres óleos sobre tela de
  Andrea Mantegna. Fue realizado entre 1457 y 1501.
  Mide 68 centímetros de alto por 81 de ancho.

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CARAVAGGIO

• Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles,
  Malta y Sicilia, entre los años de 1593 y 1610.
  Es considerado como el primer exponente de la
  pintura barroca.
• Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas
  religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y
  sus lienzos eran rechazados por sus clientes.
  Hacia mediados de 1592 Caravaggio llegó a Roma,
  desnudo y extremadamente necesitado, sin una
  dirección fija y sin provisiones... además corto
  de dinero. Pocos meses después comenzó el
  trabajo exitoso que no concluiría hasta dejar
  Roma.
• En 1599, presumiblemente bajo la influencia del
  cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado
  para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesia
  romana de San Luis de los Franceses. En 1606
  asesinó a un hombre durante una reyerta, por lo
  que huyó de Roma pues las autoridades habían
  puesto precio a su cabeza. En 1608 se vio
  nuevamente envuelto en otra riña, lo que se
  repitió más tarde en Nápoles. Un poeta, amigo
  íntimo del pintor, dio como fecha de su muerte el
  18 de julio, víctima de fiebre en Porto
  Ércole,cerca de Grosseto, en Toscana.

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OBRAS

• LA VOCACIÓN DE SAN MATEO.
• Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece
  al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue
  encargada en 1599 para decorar la capilla
  Contarelli en la iglesia romana de San Luis de
  los Franceses, donde aún se conserva.
• MUERTE DE LA VIRGEN.
• Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año
  1606. Esta pintura no pudo estar terminada antes
  de 1605-1606. La representación de la Virgen
  María causó cierto escándalo, y fue rechazada
  como inadecuada para la parroquia.
• LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO.
• Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas
  dimensiones de 230 centímetros de alto por 175 de
  ancho. Fue pintada para la capilla Cerasi de la
  iglesia de Santa María del Popolo de Roma,
  Italia.

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COURVET

• Nació en 1819. Fue un pintor francés, fundador y
  máximo representante del realismo, y comprometido
  activista democrático.
• En 1855 expuso algunas de sus obras en el
  Palacio de las Artes de la Exposición Universal
  de París, pero al ver el rechazo del jurado hacia
  algunos de sus cuadros decidió inaugurar una
  exposición individual ubicada en las proximidades
  del campo de Marte.
• A pesar de sus polémicas, llegó a disfrutar de
  éxito. Se le otorgó la medalla de la Legión de
  Honor, pero la rechazó.
• Durante la comuna se le encargó la
  administración de los museos de Paris.
• Murió en la Tour du Peilz, víctima de una
  cirrosis producido por su consumo abusivo de
  alcohol.

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OBRAS

• LAS CRIBADORAS DE TRIGO
• Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 131 cm
  de alto y 167 cm de ancho. Fue pintado en 1853,
  encontrándose actualmente en el Museo de Bellas
  Artes de Nantes. Las dos jóvenes mujeres son sin
  duda las dos hermanas de Courbet
• ENTIERRO DE ORNANS
• Es uno de los cuadros más conocidos del pintor
  francés Gustave Courbet. Está realizado al óleo
  sobre tela. Fue pintado en 1849. La pintura fue
  presentada en el Salón de 1850, provocando un
  escándalo, ya que se había dado el tratamiento,
  en formato y estilo, de una pintura de historia a
  lo que no era sino un episodio banal
• EL SUEÑO.
• Está realizado al óleo sobre lienzo. Fue pintado
  en 1866. Se trata de un cuadro de carácter
  sensual, propio de algunas de las obras que el
  autor pintó durante el Segundo Imperio. La puesta
  en escena es refinada

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PIERO DELLA FRANCESCA

• Este artista será el gran enamorado de la luz en
  el Quattrocento italiano y uno de los más grandes
  pintores del siglo XV. Nació en Borgo San
  Sepolcro entre 1416 y 1417. Desconocemos con
  quién realizó su formación suponiéndose que fue
  en su ciudad natal.
• También se especula sobre un aprendizaje en la
  capital de la Toscana debido al profundo
  conocimiento de las obras del Beato Angelico,
  Paolo Ucello y Masaccio, a quienes debe parte de
  su formación.
• Recibe el encargo de la decoración de la
  capilla del coro de la iglesia de San Francisco
  en Arezzo, donde pintará la Leyenda de la Vera
  Cruz, su obra maestra, realizada entre 1452 y
  1466.
• Piero falleció en Borgo San Sepolcro el 12 de
  octubre de 1492, el mismo día que Colón llegaba a
  América.

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OBRAS

• NATIVIDAD.
• Está realizada al temple sobre madera. Está
  datada del periodo 1460-1475 otras fuentes
  hablan de 1483-1484. En cualquier caso,
  probablemente sea uno de los últimos cuadros
  realizados por Piero antes de su ceguera. Parece
  inacabado, aunque esta impresión se debe
  seguramente a las restauraciones antiguas.
• EL BAUTISMO DE JESUCRISTO.
• Está realizado al temple al huevo sobre tabla.
  Está constituido por dos grandes planchas de
  álamo al veteado vertical, con las proporciones
  del rectángulo de oro. El eje medio genera una
  partición calculada, aunque no simétrica.
• LA VIRGEN DEL PARTO.
• realizó la obra en siete jornadas de trabajo,
  usando los colores de primera elección, entre los
  cuales una notable cantidad de precioso azul
  ultramar obtenido por el lapislázuli, que era
  importado de las lejanas grutas de Afganistán a
  través de las rutas de la República de Venecia.

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EL MASACCIO

• Nació en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni
  Valdarno, el 21 de diciembre de 1401, hijo del
  notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa
  Jacopa di Martinozzo. El apellido Cassai procede
  del nombre de la actividad a que se dedicaba la
  familia paterna de Masaccio eran ebanistas (en
  italiano, cassai). En 1406, coincidiendo con el
  nacimiento del segundo hijo del matrimonio,
  Giovanni que recibiría luego el sobrenombre de
  el Scheggia, muere el padre. La madre volvió a
  contraer matrimonio con el mercader de especias
  Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos
  hijas, que murió el 7 de agosto de 1417.
• Masaccio se trasladó a Florencia entre 1417 y
  1421, tal vez a causa de la muerte de su
  padrastro. Existen documentos que demuestran que
  la madre de Masaccio alquiló una casa en esta
  ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno,
  seguramente como vivienda para su hijo, ya que
  ella continuó viviendo en casa de su difunto
  marido. Es posible que el joven artista comenzara
  su andadura en Florencia en el taller de Bicci di
  Lorenzo o en el de algún otro. Su primera obra
  segura es el tríptico para San Juvenal de Casia,
  que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de
  abril de 1422 ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI
  VENTITRE DAPRILE. Es posible, según da a
  entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase
  un viaje a Roma, con motivo del jubileo. En 1424
  se inscribió en la Compañía de San Lucas de
  Florencia. Posiblemente este año o en 1425
  comenzó a colaborar con Masolino en los frescos
  de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa
  María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de
  1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que le
  ocuparía durante casi todo el año.
• En 1428 se trasladó a Roma, invitado por el
  cardenal Brando da Castiglione para decorar la
  capilla de San Clemente en la iglesia homónima.
  En Roma trabajó en el Políptico de Santa María
  Mayor, del cual se conservan los Santos Jerónimo
  y Juan Bautista (actualmente en la National
  Gallery de Londres). Murió en Roma en otoño de
  1428, cuando contaba sólo veintisiete años de
  edad. Algunas fuentes antiguas mencionan el rumor
  de que fue envenenado.

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OBRAS

• LA ADORACIÓN DE LOS REYES MAGOS
• Es la tabla central de la predela del Políptico,
  y la única en que no se utiliza el fondo de oro.
  El centro de atención del cuadro se desplaza de
  la escena sacra al cortejo profano.
• LA TRINIDAD.
• Está pintado en uno de los muros laterales de
  la iglesia de Santa María Novella de Florencia en
  Italia. Es quizá la obra más celebrada de
  Masaccio.
• LA RESURRECIÓN DEL HIJO DE TEÓFILO.
• Masaccio dejó inacabado este fresco, que fue
  completado por Filippino Lippi. Se cree que en él
  pueden encontrarse retratos de personajes de la
  época en el grupo de la izquierda, el personaje
  vestido con hábito de carmelita es probablemente
  el cardenal Brenda Castiglione Teófilo, sentado
  en el trono en forma de nicho, es un retrato de
  Gian Galeazzo Visconti, gran enemigo de
  Florencia y Coluccio Salutati es la figura
  sentada a los pies de Teófilo, a la derecha.

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FRA ANGELICO

• Su nombre secular era Guido di Pietro da Mugello'
  y nació en Vicchio (región de Toscana). En 1418
  ingresó en un convento dominico en Fiesole y
  alrededor de 1425 se convirtió en fraile de la
  orden con el nombre de Giovanni da Fiesole.
  Aunque se desconoce quién fue su maestro, se cree
  que comenzó su carrera artística como iluminador
  de misales y otros libros religiosos. Después
  empezó a pintar retablos y tablas. En 1436, los
  dominicos de Fiesole se trasladaron al convento
  de San Marcos de Florencia que acababa de ser
  reconstruido por Michelozzo. Fra Angelico,
  sirviéndose a veces de ayudantes, pintó numerosos
  frescos en el claustro, la sala capitular y las
  entradas a las veinte celdas de los frailes de
  los corredores superiores. Los más impresionantes
  son La crucifixión, Cristo peregrino y La
  transfiguración. El retablo que hizo para San
  Marcos. En 1445, Fra Angelico fue llamado a Roma
  por el papa Eugenio IV para pintar unos frescos
  en la capilla del Sacramento del Vaticano, hoy
  desaparecida. En 1447, pintó los frescos de la
  catedral de Orvieto junto con su discípulo
  Benozzo Gozzoli.
• Sus últimas obras importantes, los frescos
  realizados en el Vaticano para decorar la capilla
  del papa Nicolás V, representan episodios de las
  Vidas de san Lorenzo y de san Esteban
  (1447-1449), y probablemente hayan sido pintados
  por ayudantes a partir de diseños del maestro.
  Desde 1449 hasta 1452, Fra Angélico fue el prior
  de su convento de Fiesole.
• Murió en el convento dominico de Roma el 18 de
  febrero de 1455

20
OBRAS.

• HUIDA A EGIPTO
• El relato cuenta cómo un ángel se apareció en
  sueños a José y le ordenó que huyera a Egipto con
  Jesús y su madre, pues el rey Herodes lo estaba
  buscando para matarle. José obedece y tomando a
  María y a Jesús emprende el viaje que le
  conducirá a Egipto. La noticia se da de
  posteriores se amplía con multitud de anécdotas y
  milagros acaecidos a lo largo del supuesto viaje
  manera breve pero en los Evangelios apócrifos y
  en otros relatos
• LA ANUNCIACIÓN
• Desarrolla el tema de la Anunciación tal como
  aparece narrado en el Nuevo Testamento mostrando
  la escena en un pórtico de mármol abierto,
  allaperto, que recuerda al Hospital de los
  Inocentes, construcción de un coetáneo de Fray
  Angélico como Brunelleschi, con arcos de medio
  punto que descansan sobre finas columnas blancas.
  Tiene bóvedas de arista, de color azul celeste.
• EL BAUTISMO DE CRISTO.
• creada en 1437-1446.

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GOYA

• El pintor nació en la pequeña aldea de
  Fuendetodos el 30 de marzo de 1746 y poco se sabe
  de su infancia. Parece ser que fue alumno de las
  Escuelas Pías y que a los catorce años ingresó en
  el taller del pintor Luzán, donde debió
  ejercitarse, como era habitual en la época, en la
  copia de grabados. A finales de 1763 Goya realiza
  su primer viaje a Madrid para participar en un
  concurso de la Real Academia de Bellas Artes de
  San Fernando. Pero los inicios no pueden ser mas
  desoladores y su obra no obtiene un solo voto.
  Vuelve a probar suerte en 1776 en un nuevo
  concurso academico cosechando el mismo fracaso.
• Durante estos años Goya comienza su carrera como
  pintor realizando sobre todo cuadros de tema
  religioso. Luego, retornó a Zaragoza, donde se
  encuentra desde finales de junio de 1771, y
  pronto recibiría su primer encargo importante la
  bóveda del coreto de la Basílica del Pilar. Goya
  pudo poner en práctica su habilidad como
  fresquista, técnica probablemente aprendida en
  Italia, en una obra aún dependiente de las
  tradiciones barrocas.
• El 25 de julio de 1773 Goya se casa en Madrid
  con Josefa Bayeu, hermana de los pintores
  Francisco y Ramón, que tendrán un importante
  papel en su vida durante estos primeros años. Dos
  años después la recién formada familia se instala
  en Madrid para que el joven pintor logre afianzar
  su carrera en medios cortesanos.
• En estos años se producen también sus primeros
  tanteos como grabador. Especialmente importante
  es la serie de copias de cuadros de Velázquez,
  que le permitirán ahondar en el conocimiento de
  la técnica del genial sevillano e incorporarla
  como un elemento importante de su arte. En 1780
  es admitido en la Real Academia de Bellas Artes
  de San Fernando, para lo que presentó un Cristo
  crucificado. Poco después es llamado de nuevo a
  Zaragoza para realizar un fresco en la Basílica
  del Pilar. Se trataba de decorar una cúpula con
  sus cuatro pechinas, con el tema La Virgen, Reina
  de los Mártires. Goya muere en Burdeos el 16 de
  abril de 1828.

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OBRAS

• ANÍBAL VENCEDOR. 1770.
• Es un óleo de tema histórico que Francisco de
  Goya presentó a un concurso de pintura convocado
  por la Academia de Parma el 29 de mayo de 1770.
  La obra se encuentra en la Fundación
  Selgas-Fagalde sita en El Pito (Cudillero,
  Asturias) y existe un modelo previo, también en
  lienzo, en el Museo de Zaragoza.
• EL AQUELARRE
• El lienzo muestra un ritual de aquelarre,
  presidido por el Gran Cabrón, una de las formas
  que toma el demonio, en el centro de la
  composición. A su alrededor aparecen brujas
  ancianas y jóvenes que le dan niños con los que,
  según la superchería de la época, se alimentaba.
  En el cielo, de noche, brilla la luna y se ven
  aves nocturnas (que podrían ser murciélagos). En
  la serie de la que forma parte se encuentran
  también otros cinco cuadros de similar temática y
  dimensiones, que son Vuelo de brujas (Museo del
  Prado), El conjuro (Museo Lázaro Galdiano),
• LA PRADERA DE SAN ISIDRO
• Se trata de un boceto pintado para una serie de
  cartones para tapices destinados a la decoración
  del dormitorio de las infantas del Palacio de El
  Pardo. Con la muerte de Carlos III el proyecto
  quedó inacabado, y el cuadro, que iba a medir
  siete metros y medio de longitud, quedó en este
  delicioso apunte. El cuadrito pasó a propiedad de
  los duques de Osuna hasta 1896, año en que fue
  adquirido por el Museo del Prado

23
EL GRECO

• El Greco es el nombre con el cual se conoce
  popularmente a Doménikos Theotokópoulos. El apodo
  se debe a que era originario de Candía (actual
  Heraclion), capital de la isla de Creta -Grecia-,
  donde nació en 1541. Respecto a los primeros años
  de su vida no se conocen demasiados datos, sólo
  que procedía de una próspera familia burguesa, y
  que recibió una amplia formación humanística. Fue
  uno de los artistas que mejor supo entender y
  desarrollar el Manierismo.
• Doménikos trabajó en las dos vías que existían
  en la pintura de Creta de la segunda mitad del
  siglo XVI la tradicional -"allá greca" siguiendo
  los modelos bizantinos- y la moderna -"allá
  latina" según los modelos llegados del
  Renacimiento italiano-. Trabajando en ambas,
  pronto alcanzó una importante posición entre los
  pintores cretenses, por lo que hacia 1563 se lo
  llamó maestro.
• Cuando decidió irse de su ciudad natal, ya era
  un prometedor pintor. En 1566 se trasladó a
  Venecia, ciudad en la vivía su hermano Manusso y
  que había visitado unos años antes (hacia 1560).
  En esta ciudad, El Greco asimiló la pintura
  renacentista. Algunos datos imprecisos parecen
  sugerir su ingreso en el taller de Tiziano, pero
  independientemente de este hecho, es cierto que
  la pintura del gran artista veneciano -junto con
  la de Tintoretto, de quien tomó la iluminación
  artificial para sus cuadros, y Jacopo Bassano-,
  ejerció una influencia determinante en el
  desarrollo de su técnica y su estética.
• En 1570 Doménikos se fue a Roma, donde vivió
  siete años. Allí pudo admirar las obras de Miguel
  ángel, Rafael y Correggio. Asimismo en esa ciudad
  abrió su propio taller y enseguida logró una
  sólida reputación como retratista, lo que le
  permitió frecuentar los ambientes más relevantes
  de la sociedad e intelectualidad italiana y
  española.
• Fue en 1576 cuando Doménikos decidió marcharse a
  España, con la esperanza de ser contratado para
  la decoración del Monasterio de El Escorial. Ya
  en Madrid conoció a Jerónima de las Cuevas, con
  quien tuvo a su único hijo Jorge Manuel en 1578.
• Tal como lo esperaba El Greco, recibió un
  importante encargo, el monarca español le
  encomendó un cuadro que conmemorase la batalla de
  Lepanto, y el artista pintó "El sueño de Felipe
  II" (1577-1579) que no fue del agrado del rey.
  Luego le pidió que realizara "El martirio de San
  Mauricio", que tampoco le gustó al rey, pues le
  pareció poco acorde con las ideas de la
  Contrarreforma. Fue así como Doménikos se instaló
  de forma definitiva en Toledo (la ciudad donde sí
  pudo triunfar).
• Paulatinamente se fue afianzando entre la
  clientela de Toledo, de la que recibió sus
  mejores encargos entre 1586-1588 hizo el famoso
  "El entierro del señor de Orgaz", diversos
  retablos para instituciones religiosas tanto de
  Toledo como de Madrid -el encargo del Colegio de
  doña María de Aragón que actualmente ocupa el
  edificio del Senado español- o pueblos limítrofes
  como Illescas o Talavera la Vieja.

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OBRAS

• EL ENTIERRO DEL CONDE ORGAZ 1541
• El cuadro representa las dos dimensiones de la
  existencia humana abajo la muerte, arriba el
  cielo, la vida eterna. El Greco se lució
  plasmando en el cuadro lo que constituye el
  horizonte cristiano de la vida ante la muerte,
  iluminado por Jesucristo.
• LACONTE.1614
• El conjunto escultórico Lacoonte pertenece a la
  escuela de Rodas. Sus autores fueron Agesandro,
  Polidoro y Atenodoro. Fue esculpido originalmente
  en mármol rosado y blanco. Mide 2 metros y 42
  centímetros. Se encuentra expuesto actualmente en
  los Museos Vaticanos.La escultura representa el
  instante en que el sacerdote Laocoonte es
  enroscado por dos serpientes junto a sus dos
  hijos.
• ADORACIÓN DE LOS PASTORES.1541
• Es un óleo sobre tela. La composición está
  desarrollada en espiral, creando un movimiento de
  ascensión. La distorsión extrema de los cuerpos
  caracteriza la Adoración de los Pastores como
  toda la obra tardía de El Greco. Los colores
  brillantes, disonantes, y las formas y poses
  extrañas crean una sensación de maravilla y
  éxtasis, al celebrar los pastores y los ángeles
  el milagro del niño recién nacido.

25
MANET

• Edouard Manet nació en París el 23 de enero de
  1832, en una familia acomodada. terminó su
  formación sin obtener la calificación necesaria
  para estudiar derecho, para decepción de su
  padre, que era magistrado. A los dieciséis años
  viajó a Río de Janeiro como marinero en
  prácticas, con intención de ingresar en la
  Academia Naval Francesa, y cuando vio que su
  proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al
  arte, pasando a su regreso Allí estuvo durante
  casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en
  el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt
  y Velázquez, sino también de Goya, De Lacroix,
  Courbet y Daumier. De Couture aprendió que para
  ser un gran maestro hay que escuchar las
  enseñanzas de los que lo han sido en el pasado,
  pero por desgracia, Couture era un antirrealista
  fanático y convencido. Enfurecido por las mofas
  que Manet hacía con respecto al Premio de Roma,
  Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra
  cosa que el Théodore Rousseau de su época. Al
  estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto
  con otros impresionistas, fue movilizado. envió a
  su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos,
  y envió trece cuadros a Duret, entes de entrar
  como teniente al servicio de la Guardia Nacional
  durante el sitio de París.Tras la declaración del
  armisticio, en 1871, formó parte, junto con otros
  catorce pintores y diez escultores de la
  federación de artistas de la efímera Comuna de
  París.
• En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos
  veinticuatro obras de Manet y organizó la primera
  exposición de pintores impresionistas, que no
  tuvo éxito comercial. sin embargo, entre estos
  artistas iba surgiendo una conciencia de grupo
  que los llevaría a formar la Société Anonyme des
  artists para realizar exposiciones colectivas.
• En esta época, en la que tiene mucha relación
  con Monet, empieza Manet a adoptar las técnicas
  impresionistas si bien rehusará participar en las
  exposiciones colectivas. en cambio, organiza una
  exposición de sus obras en su propio taller de la
  parisina calle de St. Petersboug, que gozó de
  bastante popularidad, rumoreándose en la época
  que había tenido unas 4000 visitas.
• Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a
  causa de un problema circulatorio crónico, que no
  mejoró a pesar de someterse a tratamientos de
  hidroterapia en Bellevue. En esta época fue
  reconocido su talento con una medalla de segunda
  clase concedida por el Salón, y fue nombrado
  también Caballero de la Legión de Honor.
• El 20 de abril de 1883, a causa de su
  enfermedad, le fue amputada la pierna izquierda
  y, diez días más tarde falleció, a los 51 años de
  edad.

26
OBRAS

• EL DESAYUNO SOBRE LA HIERBA 1863
• Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de
  Orsay de París, FranciaLa yuxtaposición de un
  desnudo femenino con caballeros completamente
  vestidos suscitaron controversia cuando la obra
  se mostró por vez primera en el Salón des Refusés
  en 1863, después de ser rechazado por el Salón
  oficial. Fue el lienzo más irritante y
  controvertido de esa exposición de obras
  rechazadas.
• OLIMPIA 1863
• Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino
  del Tiziano, sin embargo el personaje central
  resulta ser evidentemente una prostituta
  parisina. En lugar de las doncellas que
  acompañaban a los desnudos del Cinquecento entra
  en escena llevando un ramo de flores una mujer
  negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el
  fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de
  su vestimenta oriental. Por otra parte las
  carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y
  provocadoramente a los espectadores son
  contrastadas junto a las sábanas y las almohadas
  por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de
  íntima sensualidad
• EL PÍFANO.
• Como en el cuadro del pintor español, Manet
  concibe un fondo sin profundidad, en que los
  planos vertical y horizontal son apenas
  distinguibles. En opinión de Peter H. Feist, El
  pífano muestra la atracción de Manet por el
  efecto decorativo de unas figuras individuales de
  gran tamaño, con contornos enfáticos y colocadas
  ante una superficie de fondo. Frente al fondo
  monocromo, resalta la figura enérgicamente
  coloreada en base a una paleta reducida pero de
  colores vivos, en la que predomina la técnica del
  empaste el negro muy nítido de la guerrera y los
  zapatos, el rojo de los pantalones, el blanco de
  la bandolera, etc. Como resultado, la figura
  destaca firme, armoniosa y viva.
• Además, como en Velázquez, Manet retrata también
  a un personaje anónimo, un adolescente, músico de
  la banda de la Guardia Imperial, que fue enviado
  a Manet por el comandante Lejosne,tratado como
  un Grande de España
• .

27
MONET

• Nació el 14 de Noviembre de 1840.Monet recibió
  sus primeras lecciones artísticas en la escuela
  de la mano de François-Charles Ochard, alumno del
  pintor neoclásico Jacques-Louis David.. Al estar
  más interesado por los dibujos graciosos y
  caricaturas que por adquirir una formación
  artística, a los 15 años ya tenía relativa fama
  como caricaturista, realizando un buen número de
  caricaturas de ciudadanos de Le Havre por las que
  cobraba entre 10 y 20 francos, consiguiendo una
  pequeña fortuna de 2.000 francos. A los 17 años
  falleció su madre, la única persona con cierto
  talento artístico de la familia. La pérdida
  supuso un duro golpe para el joven, quien
  establecerá una estrecha relación con su tía,
  Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura
  (era una pintora aficionada además de compañera
  -tras enviudar- del pintor parisino Armand
  Gautier. En 1861 le toca hacer el servicio
  militar en Argelia, en la legión africana,
  durante un periodo de un año. La delicada salud
  del joven -enfermó de tifus a comienzos de 1862-
  motivó su regreso a Le Havre por un periodo de
  seis meses. En esta temporada continuó trabajando
  con Boudin y conoció a Jongkind. Su tía
  Marie-Jeanne exoneró al joven del servicio
  militar al pagar 3.000 francos pero le puso como
  condición continuar sus estudios pictóricos en
  París. En el otoño de 1862 Monet regresaba a
  París, acudiendo al taller de Auguste Toulmouche
  por indicación de la familia. Este le aconsejó
  que acudiera al estudio de Charles Gleyre donde
  permaneció hasta 1864 cuando el maestro cerró su
  taller por una dolencia ocular. Aquí conoció
  Monet a tres compañeros con los que entabló
  estrecha amistad Renoir, Sisley y Bazille,
  intimando especialmente con este último. Junto
  con sus compañeros de estudios se dedicará a la
  pintura al aire libre en Chailly, en el bosque de
  Fontainebleau. Tras una estancia en Normandía
  junto con Bazille, en el verano de 1864 visita a
  su familia en Saint-Adresse, se ve desprovisto de
  la manutención Muere el 5 de diciembre de 1926 a
  los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de
  París.

28
OBRAS

• IMPRESIÓN SOL, NACIENTE.
• Fechado en 1872, aunque pintado más
  probablemente en 1873, su motivo es el puerto de
  Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de
  pincel que sugieren en vez de delinear. Monet
  explicó posteriormente el título
• "El paisaje no es otra cosa que una impresión,
  una impresión instantánea , de ahí el título ,
  una impresión que me dio. He reproducido una
  impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en
  la niebla y unas pocas siluetas de botes
  destacándose en el fondo... me preguntaron por un
  título para el catálogo, no podía realmente ser
  una vista de Le Havrem y dije "pongan
  impresión"Fue robada en 1985 y recuperada en
  1990.
• MUJERES EN EL JARDÍN.
• Es un cuadro del pintor francés Claude Monet.
  Data del año 1867. Representa un día de verano,
  con su despreocupado ambiente. Varias mujeres,
  con vestidos de verano, se divierten en un jardín
  de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para
  esta obra.Protagonista del cuadro es la luz que
  se refleja en los cabellos, en la piel, en los
  vivos colores de los vestidos, las flores y las
  hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y
  las sombras coloreadas envuelven a los personajes
  que se presentan en actitudes naturales.
• PONT DE l'EUROPE, ESTACIÓN DE SAINT-LAZARE
• Es un cuadro del pintor francés Claude Monet.
  Data del año 1877. La serie sobre la estación de
  Saint-Lazare en París es la primera de
  ellas.Monet mostró siete variaciones sobre este
  tema en la exposición de los impresionistas de
  1877, entre ellas este Pont de l'Europe.
• El humo del ferrocarril resulta un atractivo
  soporte de la luz. El humo y la luz del cielo se
  unen, extendiéndose como un velo de seda sobre
  la banal estación y las fachadas de las casas

29
MURILLO

• Sevilla, 1617-Cádiz, 1682) Pintor español. Nació
  en 1617 en el seno de una familia de catorce
  hermanos, de los que él fue el benjamín. Quedó
  huérfano de padre a los nueve años y perdió a su
  madre apenas seis meses después. Una de sus
  hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le
  permitió frecuentar el taller de un pariente
  pintor, Juan del Castillo.
• En 1630 trabajaba ya como pintor independiente
  en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo
  importante, una serie de lienzos destinados al
  claustro de San Francisco el Grande la serie se
  compone de trece cuadros, que incluyen La cocina
  de los ángeles, la obra más celebrada del
  conjunto por la minuciosidad y el realismo con
  que están tratados los objetos cotidianos. El
  éxito de esta realización le aseguró trabajo y
  prestigio, de modo que vivió desahogadamente y
  pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos
  que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo
  matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes
  lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a
  especializarse en los dos temas iconográficos que
  mejor caracterizan su personalidad artística la
  Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción, de
  los que realizó multitud de versiones sus
  vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces,
  inspiradas seguramente en sevillanas conocidas
  del artista. Tras una estancia en Madrid entre
  1658 y 1660, en este último año intervino en la
  fundación de la Academia de Pintura, cuya
  dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa
  época de máxima actividad recibió los
  importantísimos encargos del retablo del
  monasterio de San Agustín y, sobre todo, los
  cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en
  1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos
  de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo
  limosna) y para el Hospital de la Caridad
  (cuadros sobre las obras de misericordia).
• Murillo destacó también como creador de tipos
  femeninos e infantiles del candor de La muchacha
  con flores al realismo vivo y directo de sus
  niños de la calle, pilluelos y mendigos, que
  constituyen un prodigioso estudio de la vida
  popular. Después de una serie dedicada a la
  Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la
  decoración de la iglesia del convento de los
  capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los
  Desposorios de santa Catalina, ya que falleció,
  mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una
  caída desde un andamio.

30
OBRAS

• DOS NIÑOS COMIENDO MELÓN Y UVA.
• Murillo se convertirá en uno de los principales
  pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora
  de representar figuras divinas como el Niño Jesús
  o San Juanito o personajes absolutamente reales
  como estos niños que aquí observamos. Se trata de
  una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella
  apreciamos la influencia naturalista en la
  pintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante
  un edificio en ruinas, interesándose el artista
  por presentarlos como auténticos pícaros,
  destacando sus ropas raídas y sus gestos de
  glotonería. Los detalles están captados a la
  perfección -especialmente las frutas- creando
  Murillo una apreciable sensación de realidad. La
  pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y
  los efectos de vaporosidad y transparencia
  empiezan a surgir gracias a su contacto con
  Herrera y la pintura veneciana.
• JOVEN MENDIGO
• 1650.La primera de estas representaciones de
  estos golfillos urbanos es este Joven mendigo del
  Louvre. Aparece un mendigo vestido con harapos,
  que se concentra en su ropa apretada entre las
  manos. Se cree que está despiojándose. Tiene los
  pies sucios. Puede ser un mendigo o más bien un
  pícaro de los que aparecen en las novelas el
  Lazarillo de Tormes (1511) o las Ejemplares de
  Cervantes(1613).
• VENDEDORES DE FRUTAS.
• Se realizó en 1670.

31
REMBRANDT

• Rembrandt- (Rembrandt Harmenszoon van Rijn
  Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669)
  Pintor holandés. Nacido en el seno de una
  acomodada familia de molineros, Rembrandt recibió
  una esmerada educación y llegó a ingresar en la
  Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya
  que por entonces decidió dedicarse a la pintura.
  De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y
  otro en Amsterdam, fue este último el que más
  influyó en el artista y el que le transmitió las
  tendencias italianizantes en bogaEn 1625,
  considerándose ya formado, abrió taller en Leiden
  junto con Jan Lievens (quien después siguió una
  trayectoria muy distinta), y no tardó en contar
  con una amplia clientela. Durante los años de
  Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde
  unos inicios de colores brillantes y gestos
  grandilocuentes hacia una creciente afirmación
  del claroscuro. El sabio empleo que hizo el
  artista de esta nota tan típica del Barroco es lo
  que confiere a su obra una fuerza y una
  personalidad indiscutibles. Ya en época temprana,
  hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más
  poderoso medio de expresión del pintor, tal como
  evidencian obras como Sansón traicionado por
  Dalila y La presentación de Jesús en el templo.
  En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se
  trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el
  marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija,
  Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una
  etapa de prosperidad económica y de vida mundana,
  que se truncó repentinamente en 1642, año de la
  muerte de su esposa. Los reveses económicos se
  sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a
  subastar todas sus pertenencias (casa,
  colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó
  de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su
  servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con
  quien mantuvo una relación sentimental, sin
  llegar a casarse con ella para no perder la
  herencia de Saskia. Las dos etapas, próspera y
  adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en
  sus obras, particularmente en los autorretratos,
  un género que el artista cultivó a lo largo de
  toda su carrera mientras que los primeros son
  alegres, brillantes y un tanto superficiales, los
  de los últimos años tienen un carácter sombrío,
  sereno, y reflejan una profundidad muy
  superior.La maestría compositiva, la perfecta
  caracterización de los personajes, el detallado
  estudio de los ademanes, la agudeza de los
  rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de
  este género (La lección de anatomía del doctor
  Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio
  de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.
  RTanto los dibujos como los aguafuertes son
  obras plenamente barrocas, dominadas por la
  acción, el dramatismo y un realismo derivado de
  la observación del mundo circundante muy
  característico del arte de Flandes y de los
  Países Bajos.

32
OBRAS

• LA RONDA DE NOCHE.
• Rembrandt pintó este cuadro entre 1640 y 1642.
  La pintura fue llamada "Nacht Wacht" por los
  holandeses y "Night Watch" por Sir Joshua
  Reynolds porque en el momento de su
  descubrimiento los colores al óleo se habían
  apagado tanto que muchos detalles eran
  indistinguibles y se parecía bastante a una
  escena nocturna. Después de sucesivas
  restauraciones, se reveló que la escena
  representada era una escena diurna una partida
  de mosqueteros pasando de un sombrío patio a la
  cegadora luz del sol. La obra fue encargada para
  el nuevo ayuntamiento de los Kloveniersdoelen, la
  compañía de mosqueteros encargados de la patrulla
  urbana.
• EL RAPTO DE EUROPA.
• Está realizado en óleo sobre panel, y fue
  pintado en el año 1632. El cuadro se inspira en
  una historia de la mitología griega. En Las
  metamorfosis, Ovidio cuenta que Europa era una
  princesa fenicia y Zeus la raptó en forma de toro
  blanco, llevándosela desde las orillas de lo que
  hoy es el Líbano hasta el continente al que acabó
  dando su nombre.
• LA LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DR. NICOLAES TULP
• Fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al
  óleo sobre lienzo. Es el primer retrato de grupo
  pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26
  años. Fue un encargo del potente gremio de los
  cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de
  Ámsterdam, era un representante eminente. Un
  cuadro de similares características fue pintado
  por Thomas de Keyser en 1619.

33
RENOIR

• Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de
  1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a
  París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios
  hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente,
  trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde
  pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta
  los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura
  sobre abanicos. En esa actividad adquirió el
  gusto por las piezas de gran luminosidad y de
  pinceladas rápidas.
• En 1862, Renoir, al captar atención por las
  pinturas que tuvo que hacer en unas misiones
  religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes
  y entró al taller de Gleyre, donde conoció a
  Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de
  estilo clásico, romántico y realista no fueron
  inicialmente bien criticados. Sin embargo, la
  primera obra que expone en la galería lEsméralda
  en 1864 recibió una muy buena acogida, pero
  después de la exposición la destruyó. Pintó gran
  cantidad de paisajes y de cuerpos humanos,
  principalmente femeninos (sobre todo el de Lise
  Tréhot quien fue su amante). Esta joven tuvo una
  importancia vital en la obra del pintor, dado que
  al romperse la relación, hubo un cambio en el
  estilo del autor. La carrera de Renoir realmente
  se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à
  lombrelle. Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su
  período ingresco. En busca de las fuentes
  clásicas de Ingres marcha a Italia y contempla la
  obra de Rafael in situ decide revisar su estilo.
  Los contornos de sus personajes se vuelven más
  precisos. Dibuja las formas con gran precisión,
  los colores se vuelven más fríos. Al convertirse
  en padre por primera vez deja la pintura por un
  tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más
  importante obra de este período Grandes
  baigneuses, cuadro que tardó tres años en
  completar. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su
  período de Cagnes. En esta época sufre graves
  crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su
  tercer hijo en 1901 su pintura toma una nuevo
  matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de
  la niñera, quien también se convertirá en modelo
  para sus obras.
• Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en
  silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su
  pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta
  terminar su composición "Descanso tras el baño",
  y una naturaleza con manzanas. Pierre-Auguste
  Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de
  visitar por última vez el Louvre donde ya se
  exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte
  pulmonía, y sería enterrado a los tres días en
  Essoyes junto a su esposa.

34
OBRAS

• EL ALMUERZO DE LOS ROMEROS.1881
• El cuadro muestra un grupo de amigos de Renoir
  descansando en una terraza de la Maison Fournaise
  sobre el río Sena en Chatou, Francia. El pintor y
  el mecenas, Gustave Caillebotte están sentados
  abajo a la derecha. En el fondo se ve a la futura
  esposa de Renoir, Aline Charigot, jugando con un
  pequeño perro.
• LAS GRANDES BAÑISTAS.
• Pintado entre los años 1884 y 1887. En "Los
  Grandes Bañistas" Renoir un contorno neto, una
  materia lisa y un reparto de la luz uniforme. El
  dibuja las formas con más rigor, los colores se
  vuelven más fríos. El deseaba que las formas
  femeninas fueran más talladas ,estructuradas, es
  lo que le reprocha Camille Pissarro. Los cuerpos
  se vuelven más importantes que los decorados,
  como si estos conservasen un papel por jugar. El
  decorado no es más que un primer plano. Se
  inspira profundamente en Cézanne, con el que
  había pasado algún tiempo pintando en L'Estaque
  en su retorno de Italia.
• EN LA TERRAZA.
• Fue pintado en 1881.Realizado a óleo sobre
  lienzo. En esta obra aparece una joven, vestida
  de azul oscuro con un sombrero rojo en la cabeza.
  Las flores adornan su sombrero (amapolas) y su
  pecho. Junto a ella se encuentra su hija, vestida
  de blanco y un sombrero también cuajado de
  flores. Detrás, una barandilla de hierro forjado,
  más allá de la cual se ve una rica naturaleza de
  colores intensos matorrales y árboles en flor,
  un río de color azul claro.

35
ROSETTI

• Hijo de un erudito emigrado italiano, Gabriele
  Rossetti, D. G. Rossetti nació en Londres,
  Inglaterra y recibió el nombre de Gabriel Charles
  Dante Rossetti. Su familia y amigos lo llamaban
  "Gabriel", pero en sus publicaciones ponía
  primero el nombre de Dante, debido a sus
  resonancias literarias. Era hermano de la poetisa
  Christina Rossetti y del crítico William Michael
  Rossetti, y fue uno de los fundadores de la
  Hermandad Prerrafaelita, junto con John Everett
  Millais y William Holman Hunt. Después de la
  exposición de la obra de Holman Hunt La víspera
  de Santa Inés, Rossetti buscó la amistad de Hunt.
  La pintura ilustraba un poema de un autor por
  entonces poco conocido, John Keats. El primer
  poema de Rossetti, The Blessed Damozel era una
  imitación de Keats, así que creyó que Hunt podría
  compartir sus ideales artísticos y literarios.
  Juntos desarrollaron la filosofía de la Hermandad
  de los prerrafaelitas. Rossetti estuvo siempre
  más interesado en la parte medieval del
  movimiento que en la moderna. Estaba publicando
  traducciones de Dante y otros poetas italianos
  medievales, y su arte también buscaba adoptar el
  estilo de los primitivos renacentistas italianos.
• Las primeras grandes pinturas de Rossetti
  muestran algunas de las cualidades realistas del
  movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta
  su primer lienzo inspirado en los antiguos
  pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al
  año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una
  representación de la Anunciación que exaltaba la
  pureza. Es una interpretación moderna de la
  Virgen María y de la Anunciación, en la que María
  es representada como una adolescente indiferente
  y atemorizada, pálida no tanto por candor
  espiritual cuanto por consunción. Destaca el uso
  del cabello pelirrojo, señal de sensualidad para
  el decadentismo y el simbolismo. La presencia del
  lirio y de la cortina azul entre los tonos
  blancos son elementos ulteriores que añaden
  contenido simbólico a la pintura. Su obra es
  intensamente mística y primitiva, acercándose al
  eclecticismo de los nazarenos alemanes. Su
  pintura incompleta Found (1854) fue la única
  dedicada a la vida moderna. Representaba a una
  prostituta, sacada de la calle por un pastor que
  era su antiguo enamorado. Sin embargo, Rossetti
  progresivamente prefirió imágenes simbólicas y
  mitológicas a las realistas. Esto también puede
  predicarse de su poesía posterior. Hacia el final
  de su vida, Rossetti cayó en estado mórbido,
  oscurecido por su drogadicción y su creciente
  inestabilidad mental, posiblemente empeorada por
  su reacción a los salvajes ataques de la crítica
  sobre su poesía desenterrada (1869). Pasó sus
  últimos años retirado, como un recluso. Murió en
  Birchington-on-Sea, Kent, Inglaterra.

36
OBRAS

• BEATA BEATRIX.
• En 1860 Se había suicidado ingiriendo láudano,
  aunque en el certificado de fallecimiento se
  mencionó como una muerte accidental. A pesar de
  las infidelidades, Rossetti sintió mucho su
  muerte y se trasladó de casa, eligiendo Chelsea
  como lugar de residencia, donde pintó este cuadro
  que se considera como la estela funeraria de su
  esposa, identificando al propio Rossetti con
  Dante y a Beatriz con Lizzy. La figura de Beatriz
  presenta una expresión de éxtasis, posiblemente
  más sexual que religioso, llevando entre sus
  manos un pájaro maligno que sujeta en su pico una
  amapola, efímera flor que simboliza la pasión y
  la muerte, así como origen del opio, la droga que
  utilizó Lizzy para su suicidio. Tras Beatriz
  observamos dos figuras que se miran mutuamente,
  representando a Dante y al Amor. A la derecha
  contemplamos un reloj de sol que simboliza el
  inexorable paso del tiempo. La mezcla de lo
  irreal con los real, de la fantasía con la
  poesía, son ingredientes muy queridos por
  Rossetti, el artista más poético del grupo
  prerrafaelita.
• THE ANUNCIATION.
• 1849.
• The Girlhood of Mary Virgin
• Se realizó en 1848-1849.

37
JOAQUIN SOROLLA

• Considerado como uno de los pintores españoles
  más importantes de comienzos del siglo XX,
  Joaquín Sorolla inicia su aprendizaje artístico
  en su Valencia natal. Tras exponer por primera
  vez en 1881, viaja a París y a Roma y fija su
  residencia en Asís, donde estudia a los grandes
  maestros italianos. En 1889 regresa a Madrid,
  donde continúa su labor pictórica. Participa con
  gran éxito en múltiples muestras, tanto
  nacionales como internacionales, y en 1900
  obtiene el Grand Prix de la Universal de París.
  Su éxito no se limita a su actividad artística,
  sino que, además, es nombrado miembro de la
  Legión de Honor, en Francia, y Caballero de la
  Orden de Isabel la Católica, en España. Gracias a
  su prestigio, recibe un encargo de la Hispanic
  Society of America para realizar catorce paneles
  en su sede de Nueva York representando escenas de
  la vida española. Sorolla los realiza con una
  pincelada luminosa, empastada, de temática
  folclórica, gran colorido y claridad, que es el
  mejor resumen de su carrera pictórica.
  Posteriormente, los apuntes cotidianos del mundo
  burgués mediterráneo, centrado en las escenas de
  playa y los paseos por el parque, se configuran
  como el lugar privilegiado donde Sorolla
  desarrolla su arte. En 1914 es elegido académico
  de la Real Academia de Bellas Artes de San
  Fernando, donde empieza a impartir clases cinco
  años después. En 1920 una hemiplejía supone el
  fin de su carrera pictórica y docente. Sorolla
  muere tres años después.

38
OBRAS

• TRATA DE BLANCAS.
• 1894.El autor a de adaptarse al social,
  dominante en los certámenes de la época. Mantiene
  su temática costumbrista.
• PATIO DE LA CASA DE SOROLLA.
• Es un óleo sobre lienzo. Realizada en 1917.
• CHICOS EN LA PLAYA.
• Es una conocida obra del pintor
  postimpresionista español Joaquín Sorolla. Data
  del año 1910, está ejecutado al óleo sobre lienzo
  y mide 118 centímetros de alto por 127 cm de
  ancho. Pertenece al Museo del Prado de Madrid, a
  donde llegó procedente del Museo de Arte Moderno,
  al cual lo donó el propio pintor en 1919 no
  obstante, no está expuesto sino en el Depósito 3.

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VELAZQUEZ

• Velázquez, Diego de Silva (1599-1660), pintor
  español, máximo representante de la pintura
  barroca en su país.
• Nació en Sevilla el 6 de junio de 1599.
  Procedente de una familia burguesa Sevillana, fue
  el mayor de seis hermanos. Entre 1611 y 1617 el
  joven Velázquez trabajó como aprendiz en el
  taller del que sería su futuro suegro, Francisco
  Pacheco, pintor manierista y autor de un
  importante tratado titulado El arte de la pintura
  (1649). Durante sus años de aprendizaje,
  Velázquez aprendió el naturalismo tenebrista
  imperante en su época, derivado del realismo
  italiano y del flamenco. En el año 1621 Velázquez
  realizó su primer viaje a Madrid (tal y como
  Pacheco nos dice) para, presumiblemente, conocer
  en persona las colecciones reales y probablemente
  para buscar, sin éxito en esta ocasión, un puesto
  como pintor de corte. Sin embargo, en el año 1623
  regresó a la capital para pintar un retrato del
  rey Felipe IV (1623, Museo del Prado) y el
  monarca le nombró su pintor de cámara. Este
  lienzo fue el primero de una serie de retratos
  soberbios y directos, no sólo del rey, sino
  también de la familia real y otros miembros de la
  corte, ya que, realmente, su principal ocupación
  en la corte era la de retratar, aunque también
  abordó temas mitológicos, como El triunfo de
  Baco, popularmente llamado Los borrachos
  (1628-1629, Museo del Prado). Esta escena de
  bacanal en un paisaje abierto, en la que el dios
  del vino bebe junto a los borrachos, atestigua el
  interés del artista por el realismo.
• Viaje a Italia
• En el año 1628 Petrus Paulus Rubens llegó a la
  corte de Madrid en misión diplomática y entre los
  pocos pintores con los que trabó amistad estaba
  Velázquez. Aunque el gran maestro flamenco no
  causó un decisivo impacto sobre la obra del
  pintor, sus conversaciones le impulsaron a
  visitar las colecciones de arte en Italia que
  tanto admiraba Rubens. En agosto de 1629
  Velázquez abandonó Barcelona rumbo a Génova y
  pasó dos años viajando por Italia. De Génova se
  dirigió a Milán, Venecia, Florencia y Roma
  regresó a España desde Nápoles en enero de 1631.
  En el transcurso de este viaje estudió de cerca
  el arte del renacimiento y de la pintura italiana
  de su tiempo. Algunas de las obras realizadas
  durante sus viajes dan muestra de la asimilación
  de estos estilos un ejemplo representativo es su
  La túnica de José (1639, Monasterio de El
  Escorial, Madrid) y La fragua de Vulcano (1630,
  Museo del Prado), que combinan los efectos
  escultóricos miguelangelescos con el claroscuro
  de maestros italianos tales como Guercino y
  Giovanni Lanfranco. Durante los últimos años de
  su vida, Velázquez trabajó no sólo como pintor de
  corte, sino también como responsable de la
  decoración de muchas de las nuevas salas de los
  palacios reales. En el año 1649 regresó de nuevo
  a Italia, en esta ocasión para adquirir obras de
  arte para la colección del rey. Durante su
  estancia en Roma (1649-1650) pintó el magnífico
  retrato de Juan de Pareja (Museo de Arte
  Metropolitano, Nueva York), así como el
  inquietante y profundo retrato del Papa Inocencio
  X (Galería Doria-Pamphili, Roma), recientemente
  exhibido en Madrid. Al poco tiempo fue admitido
  como miembro en la Academia de San Lucas de Roma.
  Su elegante Venus del espejo (National Gallery,
  Londres) data probablemente de esta época.

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OBRAS

• LAS MENINAS.
• Conocida popularmente desde el siglo XIX como
  Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente
  como La familia de Felipe IV y es, probablemente,
  la obra más importante del pintor español Diego
  Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre
  un lienzo de grandes dimensiones, con las figuras
  representadas a tamaño natural. Aunque no tiene
  firma ni fecha, por fuentes indirectas se data en
  1656. Se halla expuesta en el Museo del Prado de
  Madrid. El tema central es la infanta Margarita
  de Austria aunque la pintura representa también
  otros personajes, incluido el propio Velázquez.
• VENUS DEL ESPEJO.
• 1599-1660. La obra representa a la diosa Venus
  en una pose erótica, tumbada sobre una cama y
  mirando a un espejo que sostiene el dios del amor
  sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema
  mitológico al que Velázquez, como es usual en él,
  da trato mundano. No trata a la figura como a una
  diosa sino, simplemente, como a una mujer.
• VIEJA FRIENDO HUEVOS.
• La fecha del cuadro, aunque no está claramente
  definida se situaría en torno al año 1618, antes
  del traslado definitivo de Velázquez a Madrid, lo
  cual sucedería en 1623. El realismo es casi
  fotográfico, Velázquez se esmera porque los
  objetos destaquen en este ejemplar bodegón donde
  aparecen platos, vasijas, cubiertos, cacerolas,
  morteros y jarras, destacando el brillo especial
  del cristal o la influencia de la luz en el melón
  que porta el muchacho. La fritura de la vieja
  está increíblemente conseguida, tanto que el