TURNER E GLI IMPRESSIONISTI

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TURNER E GLI IMPRESSIONISTI
Classe 2ª C anno scol 2006-2007

• La grande storia del paesaggio moderno in Europa

fine
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SEZIONI DELLA MOSTRA
LA RISCOPERTA DEL MEDIOEVO
TURNER
ROMANTICISMO
IMPRESSIONISMO
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SEZIONE 1 Constable e Turner
SEZIONE 2 DallAccademia al primo plein air
SEZIONE 5 Il giardino
SEZIONE 4 Paesaggi dellimpressionismo
SEZIONE 3 Da Barbizon al primo paesaggio
impressionista
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Sezione 1
John Constable

• La mostra si apre con circa 50 opere di Constable
  e Turner, i due grandissimi pittori inglesi della
  prima metà del XIX secolo. Con questa prima
  sezione si intende dimostrare le maggiori
  preesistenze in Europa, al di fuori della
  Francia, nei termini della più elevata qualità
  quanto a una nuova interpretazione del paesaggio.
  Non è inutile ricordare, tra laltro, come
  Constable e Turner siano stati fondamentali, il
  primo in modo particolare per gli artisti di
  Barbizon e il secondo specialmente per Monet.
  Questo capitolo introduttivo sarà già laffondo
  dentro una natura descritta e interpretata in
  modo assai diverso rispetto al XVIII secolo. Con
  Constable seguendo le vie di un realismo che si
  tramuta in lume nuovo sulle cose, e con Turner
  lungo i sentieri di quella dissoluzione della
  natura nella luce e nel colore che conteranno
  così tanto appunto per Claude Monet.

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TURNER

• William Turner (1775-1851) è laltro grande
  interprete, insieme a Constable, della pittura di
  paesaggio romantica in Inghilterra. Le categorie
  estetiche a cui è improntata la pittura di Turner
  sono il pittoresco e il sublime. Quel sublime
  dinamico, come lo definiva Kant, che riguardava
  le manifestazioni della natura caratterizzate da
  grande esplosione di energia. Il soggetto di
  alcuni suoi quadri più tipici sono proprio le
  tempeste. Quella furia degli elementi che imprime
  grande velocità allatmosfera.
• Nei suoi quadri gioca un elemento fondamentale la
  luce. Egli cerca di dare unautonomia alla luce
  rappresentandola non come riflesso sugli oggetti
  ma come autonoma entità atmosferica. Per far ciò,
  usa il colore in totale libertà con pennellate
  curve ed avvolgenti. Le immagini che ne derivano
  hanno un aspetto quasi astratto che non poco
  sconvolse il pubblico del tempo. Secondo alcuni
  critici egli non dipingeva ma impastava sulla
  tela ingredienti da cucina, quali uova,
  cioccolata, panna, ricavandone un miscuglio da
  pasticciere. Queste critiche dimostrano quanto
  fosse poco compresa la sua pittura. Essa,
  tuttavia, divenne un riferimento importante per
  la successiva pittura impressionista.

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La scienza come fonte di idee per i colori

• Turner, fra i grandi pittori dell'800, fu quello
  che probabilmente impegnò uno sforzo maggiore
  nell'intento di formulare una propria teoria dei
  colori. dimostrò la sua profonda conoscenza sia
  degli studi sui colori di Newton che di quelli di
  Goethe. Definì, inoltre, in modo chiaro, la
  differenza fra quelli che lui chiamava i colori
  "prismatici", generati dalla scomposizione della
  luce attraverso il prisma, ed i colori
  "materiali", cioè quelli dei pigmenti adoperati
  dai pittori. Turner affermò che dalla miscela dei
  primari "materiali" (giallo, rosso e azzurro)
  veniva fuori un grigio torbido, mentre dalla
  miscela dei primari "prismatici" (luci colorate)
  veniva fuori il bianco. La sua intuizione era
  corretta, se non fosse che commise l'errore di
  considerare come colori primari prismatici il
  giallo, l'azzurro ed il rosso, mentre, come aveva
  dimostrato Young ed in seguito avrebbero
  dimostrato Von Helmholtz e Maxwell, i colori
  primari della luce sono il verde, il blu ed il
  rossoTurner studiò con attenzione diversi
  fenomeni come l'apparizione degli arcobaleni, il
  rapporto visivo tra colori complementari, il
  colore delle ombre in rapporto al colore
  dominante della luce (capì che una luce
  fortemente colorata, produce ombre che vengono
  percepite come del colore complementare luce
  rossa, ombra verde azzurra luce gialla, ombra
  violacea).

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• William Turner, Tempesta di neve, 1842
• Il quadro, conservato alla Tate Gallery di
  Londra, è uno degli esempi più noti della ricerca
  di Turner legata alla percezione della forza
  della natura. Lo scatenarsi di una tempesta di
  neve avviene in mare, travolgendo una nave che
  nel quadro appena si intravede nel gran turbinio
  d'acqua che Turner rappresenta. Il mare è
  anch'esso un soggetto molto amato dall'artista
  inglese, che in numerosi quadri rappresenta scene
  marine e navi. Qui il mare diviene il luogo di
  quel "sublime dinamico" che abbiamo visto spesso
  comparire nei quadri di Turner, che in questa
  tela, più che in altre, abbandona ogni
  preoccupazione di rappresentazione figurativa per
  darsi ad una pittura di gesto che sfiora quasi
  l'astratto. Inutile dire che il quadro, troppo in
  anticipo sui gusti del tempo, non ricevette
  critiche entusiastiche. Per esso, come per altre
  tele di Turner, i critici inglesi parlarono di
  "pasticceria", in quanto un quadro così fatto
  sembrava loro più un tavolo sporco di latte,
  farina, uova, cioccolato, ecc. che non la tela di
  un pittore.

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IL ROMANTICISMO
Torna a Turner

• Il romanticismo è un movimento artistico che si
  afferma in Europa nel 1830 dopo che il
  neoclassicismo ha esaurito la sua vitalità, è un
  movimento che si definisce bene proprio
  confrontandolo con il neoclassicismo che dà
  importanza alla razionalità umana mentre il
  romanticismo rivaluta la sfera del sentimento,
  della passione ed anche della irrazionalità. Il
  neoclassicismo è profondamente laico e persino
  ateo per contro il romanticismo è un movimento
  di grandi suggestioni religiose. Il
  neoclassicismo aveva preso come riferimento la
  storia classica il romanticismo, invece, guarda
  alla storia del medioevo, rivalutando questo
  periodo che, fino ad allora, era stato
  considerato buio e barbarico. Infine, mentre il
  neoclassicismo impostava la pratica artistica
  sulle regole e sul metodo, il romanticismo
  rivalutava lispirazione ed il genio individuale.
• Uno dei tratti più caratteristici del
  romanticismo è la rivalutazione del lato
  passionale ed istintivo delluomo. Questa
  tendenza porta a ricercare le atmosfere buie e
  tenebrose, il mistero, le sensazioni forti,
  lorrido ed il pauroso. Lartista romantico ha un
  animo ipersensibile, sempre pronto a continui
  turbamenti. Lartista non si sente più un
  borghese, ma inizia a comportarsi sempre più in
  modo anticonvenzionale. In alcuni casi sono
  decisamente asociali e amorali. Sono artisti
  disperati e maledetti che alimentano il proprio
  genio di trasgressioni ed eccessi.
• Larte romantica riscopre anche la sfera
  religiosa, dopo un secolo, il Settecento, che era
  stato fortemente laico ed anticlericale. Larte
  deve scoprire lanima delle cose, rivelando
  concetti quali il sentimento, il religioso,
  linteriore. Questo interesse per la dimensione
  della interiorità e della spiritualità umana
  portò, in realtà, il romanticismo a preferire
  linguaggi artisti non figurativi, come la musica
  e la letteratura o la poesia. Queste, infatti,
  sono le arti che, più di altre, incarnano lo
  spirito del romanticismo.

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La riscoperta del Medioevo

• Sono diversi i motivi che portarono la cultura
  romantica a rivalutare il medioevo. Le
  motivazioni principali sono fondamentalmente tre
• il medioevo è stato un periodo mistico e
  religioso infatti la religione forniva le
  coordinate non solo morali, ma anche
  esistenziali. Allo spirito della religione era
  improntata tutta lesistenza umana.
• nel medioevo si sono formate le nazioni europee È
  da ricordare, infatti, che il neoclassicismo,
  nella sua ultima fase, era divenuto lo stile di
  Napoleone e del suo impero. Il crollo dellimpero
  napoleonico aveva significato, nelle coscienze
  europee, soprattutto la rivalutazione delle
  diverse nazionalità. Il neoclassicismo, nella sua
  perfezione senza tempo, aveva cercato di
  sovrapporsi alle diversità locali. Il
  romanticismo, invece, vuole rivalutare la
  diversità dei vari popoli e delle varie nazioni .
• nel medioevo il lavoro era soprattutto
  artigianale,la rivalutazione del medioevo nasce
  da un atteggiamento polemico nei confronti della
  rivoluzione industriale che permise di produrre
  una quantità di oggetti notevolmente superiore,
  ad un costo notevolmente inferiore. Tuttavia,
  soprattutto nella sua prima fase, la produzione
  industriale portò ad un peggioramento della
  qualità estetica degli oggetti prodotti.

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Sezione 2
JEAN BAPTISTE CAMILLE COROT VENEZIA

• DALLACCADEMIA AI PRIMI PAESAGGI SULLA NATURA
• La seconda sezione illustra levoluzione del
  genere del paesaggio da fondale scenografico,
  luogo in cui accadono le storie della Mitologia e
  delle Sacre Scritture, a genere in cui la natura,
  pur non assumendo mai quella rilevanza che, negli
  stessi anni, le era propria con lopera di
  Constable e Turner, viene consapevolmente
  studiata dal vero da pittori come Granet,
  Constantin, Valenciennes e, naturalmente, Corot.
  Artisti tutti che, soprattutto nei loro soggiorni
  italiani, sembrano decisamente capovolgere il
  gusto della ricostruzione storica in favore di
  uno sguardo più limpido sulla natura, finalmente
  accarezzata e amata, percorsa da uno sguardo mai
  vuoto e inutile. Questa disposizione damore sarà
  il punto di partenza anche per i giovani pittori
  impressionisti quando, qualche decennio più
  tardi, si affacceranno sulla scena parigina.

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Limpressionismo

• Limpressionismo è un movimento pittorico
  francese che nasce intorno al 1860 a Parigi. Dura
  poco meno di venti anni al 1880 limpressionismo
  può già considerarsi una esperienza chiusa, ma
  non è azzardato dire che è limpressionismo ad
  aprire la storia dellarte contemporanea.
• La grande rivoluzione dellimpressionismo è
  soprattutto la tecnica, anche se molta della sua
  fortuna presso il grande pubblico deriva dalla
  sua poetica.
• La tecnica impressionista nasce dalla scelta di
  rappresentare solo e soltanto la realtà
  sensibile. Evita qualsiasi riferimento alla
  costruzione ideale della realtà, per occuparsi
  solo dei fenomeni ottici della visione. E per far
  ciò cerca di riprodurre la sensazione ottica con
  la maggior fedeltà possibile.
• Dal punto di vista della poetica limpressionismo
  sembra indifferente ai soggetti. In realtà,
  proprio perché può rendere piacevole qualsiasi
  cosa rappresenti, limpressionismo divenne lo
  stile della dolce vita parigina di quegli anni.
  Non cè, nellimpressionismo, alcuna romantica
  evasione verso mondi idilliaci, sia rurali sia
  mitici cè invece una volontà dichiarata di
  calarsi interamente nella realtà urbana di quegli
  anni per evidenziarne tutti i lati positivi e
  piacevoli. Ed anche le rappresentazioni
  paesaggistiche o rurali portano il segno della
  bellezza e del progresso della civiltà. Sono
  paesaggi visti con occhi da cittadini.
• I protagonisti dellimpressionismo furono
  soprattutto pittori francesi. Tra essi, il più
  impressionista di tutti, fu Claude Monet. Gli
  altri grandi protagonisti furono Auguste Renoir,
  Alfred Sisley, Camille Pissarro e, seppure con
  qualche originalità, Edgar Degas. Un posto
  separato lo occupano, tra la schiera dei pittori
  definiti impressionisti, Edouard Manet, che fu in
  realtà il precursore del movimento, e Paul
  Cézanne, la cui opera è quella che per prima
  supera limpressionismo degli inizi.
• Punti fondamentali per seguire le specificità
  dellimpressionismo sono
• il problema della luce e del colore
• la pittura en plain air
• l'esaltazione dellattimo fuggente
• i soggetti urbani.

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STAMPE GIAPPONESI E FOTOGRAFIA NEL PRIMO
IMPRESSIONISMO
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Le rivoluzioni tecniche sul colore e sulla luce

• La grande specificità del linguaggio pittorico
  impressionista sta soprattutto nelluso del
  colore e della luce che sono gli elementi
  principali della visione locchio umano
  percepisce inizialmente la luce e i colori, dopo
  di che, attraverso la sua capacità di
  elaborazione cerebrale, distingue le forme e lo
  spazio in cui sono collocate. Lintento degli
  impressionisti è proprio evitare al minimo la
  perdita di luce riflessa, così da dare alle loro
  tele la stessa intensità visiva che si ottiene da
  una percezione diretta della realtà.
• Per far ciò adottano le seguenti tecniche
• utilizzano solo colori puri
• non diluiscono i colori per realizzare il
  chiaro-scuro, che nelle loro tele è del tutto
  assente
• per esaltare la sensazione luminosa accostano
  colori complementari
• non usano mai il nero
• anche le ombre sono colorate.

Monet Il Parlamento
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La pratica dellen plain air

• La pittura, così come concepita dagli
  impressionisti, era solo colore. Essi, pertanto,
  riducono, e in alcuni casi sopprimono del tutto,
  la pratica del disegno. Questa scelta esecutiva
  si accostava allaltra caratteristica di questo
  movimento la realizzazioni dei quadri non negli
  atelier ma direttamente sul posto. È ciò che, con
  termine usuale, viene definito en plain air.
• Len plain air non è una invenzione degli
  impressionisti. Già i paesaggisti della Scuola di
  Barbizon utilizzavano questa tecnica. Tuttavia,
  ciò che questi pittori realizzavano allaria
  aperta era in genere una stesura iniziale, da cui
  ottenere il motivo sul quale lavorare poi in
  studio rifinendolo fino alla stadio definitivo.
  Gli impressionisti, e soprattutto Monet,
  portarono al limite estremo questa pratica
  dellen plain air realizzando e finendo i loro
  quadri direttamente sul posto.
• Questa scelta era dettata dalla volontà di
  cogliere con freschezza e immediatezza tutti gli
  effetti luministici che la visione diretta
  fornisce. Una successiva prosecuzione del quadro
  nello studio avrebbe messo in gioco la memoria
  che poteva alterare la sensazione immediata di
  una visione.
• Gli impressionisti avevano osservato che la luce
  è estremamente mutevole. Che, quindi, anche i
  colori erano soggetti a continue variazioni. E
  questa sensazione di mutevolezza è una delle
  sensazioni piacevoli della visione diretta che
  loro temevano si perdesse con una stesura troppo
  meditata dellopera.

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La poetica dellattimo fuggente. I soggetti
urbani
Torna sezione 3

• La scelta dei pittori impressionisti, di
  rappresentare la realtà cogliendone le
  impressioni istantanee portò questo stile ad
  esaltare su tutto la sensazione dellattimo
  fuggente.
• Secondo i pittori impressionisti la realtà muta
  continuamente di aspetto. La luce varia ad ogni
  istante, le cose si muovono spostandosi nello
  spazio la visione di un momento è già diversa
  nel momento successivo. Tutto scorre. Nella
  pittura impressionista le immagini trasmettono
  sempre una sensazione di mobilità.
• Lattimo fuggente della pittura impressionista ha
  analogie evidenti con la fotografia. Anche la
  fotografia, infatti, coglie una immagine della
  realtà in una frazione di secondo. E dalla
  fotografia gli impressionisti non solo prendono
  la velocità della sensazione, ma anche i
  particolari tagli di inquadratura che danno alle
  loro immagini particolare sapore di modernità

Monet La gare Saint Lazare
Limpressionismo è il primo movimento pittorico
che ha un atteggiamento positivo nei confronti
della città. E di una città in particolare
Parigi. La capitale francese, sul finire
dellOttocento è, sempre più, la città più
importante e gaudente dEuropa. In essa si
raccolgono i maggiori intellettuali ed artisti,
ci sono i maggiori teatri e locali di spettacolo,
si trovano le cose più eleganti e alla moda, si
possono godere di tutti i maggiori divertimenti
del tempo. Tutto questo fa da sfondo alla pittura
degli impressionisti, e ne fornisce molto del suo
fascino. I luoghi raffigurati, nei quadri
impressionisti, diventano tutti seducenti le
strade, i viali, le piazze, i bar, gli
stabilimenti balneari lungo la Senna, i teatri
(da ricordare soprattutto le ballerine di Degas),
persino le stazioni, come nel famoso quadro di
Monet raffigurante La Gare Saint-Lazare..
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Sezione 3

• DA BARBIZAN AL PRIMO PAESAGGIO IMPRESSIONISTA
• È ora limpressionismo a guadagnare gradualmente
  il centro della scena. E, naturalmente, volendo
  spiegare cosa abbia rappresentato per quel gruppo
  straordinario di pittori, il paesaggio, bisognerà
  partire dalla scuola di Barbizon negli anni
  trenta, pittori riconosciuti come gli artefici di
  una rottura che segna la fine dellascendente
  teorico ed estetico del paesaggio classico. La
  natura non è più quella di unItalia pittoresca e
  idealizzata, ma quella di una Francia scoperta
  gradualmente. Si inizia con lesplorazione delle
  foreste attorno a Parigi, come Compiègne,
  Montmorency e Louveciennes. Ma il luogo che, più
  di altri, rinvigorì il paesaggio contemporaneo
  francese tra gli anni trenta e gli anni
  cinquanta, fu la foresta di Fontainebleau con le
  sue frazioni, Barbizon, Marlotte e Chailly.
  Corot, Français e Huet furono tra i primi a
  frequentare questi luoghi mitici, e vennero poi
  seguiti da Diaz de la Peña, Rousseau, Daubigny e
  Courbet, solo per dire degli artisti più celebri
  che hanno costituito un fondamentale ponte tra la
  pittura accademica di paesaggio in Francia e gli
  impressionisti. Ai loro esordi infatti Monet,
  Bazille, Sisley e Pissarro si ritrovano negli
  stessi anni a dipingere in questo luogo mitico
  rielaborando la lezione dei maestri più anziani e
  sviluppando in particolare unattenzione affatto
  nuova per il dato atmosferico e limportanza
  della luce.

Pissarro- la foresta di Montmorency
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Sezione 4

• PAESAGGI NELLIMPRESSIONISMO
• La quarta sezione abbraccia oltre 150
  opere, dunque il cuore vero di tutta la mostra.
  Non più solo il paesaggio, ma i paesaggi. In
  quasi quarantanni di pittura, non solo matura e
  giunge a compimento il linguaggio impressionista
  più universalmente noto, con figure di artisti
  che apportano ulteriori e più fecondi elementi di
  novità. Se al primo momento dunque possiamo
  associare i nomi, tra gli altri, di Sisley,
  Pissarro, Guillaumin e Caillebotte, i veri
  giganti di questa irripetibile stagione sono
  Manet prima di tutti, e poi Gauguin, Monet, van
  Gogh e Cézanne. In questa sezione sarà dunque
  inevitabile, e affascinante, verificare quanto
  lapporto di un pittore sia leggibile nellopera
  di un altro. Quanto cioè limpressionismo sia
  sostanzialmente un riandare continuo, ciascuno
  con la propria sensibilità, alla natura, tutta,
  che ci circonda, per coglierne fin dove possibile
  la fuggevole bellezza. O per trasferirvi, è il
  caso emblematico di Monet, nel periodo ultimo di
  Giverny, il senso lacerato di una visione, e, per
  van Gogh, la corrispondenza con il suo più intimo
  sentire. Le opere sono disposte per nuclei
  tematici. Dalle vedute di Parigi realizzate da
  molti tra gli impressionisti, Caillebotte in
  primis, al gruppo fondamentale centrato sulla
  campagna francese, dove tanti tra questi artisti
  danno il meglio di loro stessi. Quindi il tema
  dellacqua, ovvero i fiumi di Francia, dalla
  Senna allOise, e poi i quadri dedicati al mare,
  da quelli celeberrimi di Manet, e dai molti che
  Monet vi dedicò soprattutto durante i soggiorni
  importanti in Normandia o in Costa Azzurra, fino
  allesaltazione dellaccecante luce mediterranea
  nei quadri di Signac. Questo capitolo della
  mostra include anche i viaggi che gli
  impressionisti fecero. Allora le visioni olandesi
  e inglesi di Monet si alterneranno a quelle
  provenzali di Cézanne, sublimi lungo tutto il
  corso della sua vita. Senza dimenticare la
  Bretagna, primo eden abitato da Gauguin e
  Bernard, e il mitico Sud cercato e dipinto da Van
  Gogh dopo la scoperta della pittura
  impressionista fatta a Parigi.

Monet le ninfee
Monet- veduta di Bordighera
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IL GIARDINO
Sezione 5

• Al giardino è intitolata la quinta e ultima
  sezione dove sono presentati molti dei capolavori
  più alti di tutta la mostra. Quando gli
  impressionisti dipingevano un giardino era per
  ambientarvi una scena di famiglia o per esaltare
  la propria abilità nel rendere i giochi di
  chiaroscuro che la luce creava con la
  vegetazione. È quello che accade per esempio
  negli Oleandri celeberrimi realizzati da Bazille
  nel 1867 o quanto si può vedere nel Parco a
  Yerres dipinto da Caillebotte dieci anni dopo. A
  una visione più aperta e meno scintillante di
  riverberi luminosi, si rifà Pissarro che a
  distanza di ventanni luna dallaltra dipinge
  due opere, gli Orti a LHermitage, Pontoise del
  1874 e gli Alberi in fiore. La casa dellartista
  a Éragny, in cui lo spazio del giardino è riletto
  come luogo di vita, dove luomo appare con le
  fatiche del lavoro quotidiano. Questo tipo di
  soggetto non poteva che affascinare van Gogh al
  suo arrivo a Arles, nella primavera del 1888. Il
  Frutteto stretto dai cipressi è infatti il
  tentativo felicemente riuscito di fermare sulla
  tela la bellezza effimera e gioiosa che la natura
  stava regalando ai suoi occhi. E anche se sono
  riconoscibili dei debiti nei confronti della
  cultura figurativa giapponese, è altrettanto
  evidente che, proprio in queste opere, van Gogh
  torna quasi istintivamente a riallacciarsi al più
  puro stile impressionista. Con la formulazione
  commovente di una pittura della luce e dello
  spazio che è tra gli esiti di più intima poesia
  leggibili nella sua opera. Il tema del giardino è
  però forse quello che per eccellenza va
  ricondotto allopera di Monet e al tempo ultimo
  della sua vita a Giverny.

Van Gogh
Pissarro
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E per finire

• La mostra si conclude, lontanissima da dove era
  partita, già ben dentro il XX secolo. Eppure,
  daltro canto, vicina a certi quadri di Turner
  che, ancor prima della metà del secolo
  precedente, erano già dispersione dentro la
  tempesta del colore. Fosse essa di luce o neve.
  Alcune visioni del giardino, dei glicini e delle
  ninfee di Monet, esposte nellultima sala della
  mostra, sigillano, nella decantazione della
  materia dipinta, un percorso fatto ormai di
  fiorite sottrazioni di luce. La natura è
  diventata il respiro del cosmo, la voce di un
  infinito nata dallo stagno incantato di Giverny.

Monet