Diapositiva 1

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Georges Seurat Un domingo por la tarde en la Île
de la Grande Jatte (1884-1886). Óleo sobre tela.
Chicago, The Art Institute of Chicago.
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Contexto de producción Francia, finales del s.
XIX. París del Barón Haussmann (Ciudad nueva
Desarrollo urbano y socio-económico, nueva
burguesía).
Rehabilitación biográfica de la obra (De dónde
proviene?)
Neoimpresionismo Artistas interesados por los
aspectos preliminares y técnicos del diseño y la
formas del color que debían estar organizadas
sobre el lienzo.
Otros pintores Antecesores Manet, Renoir,
Degas, Monet (Impresionismo francés), Corinth,
Liebermann (Impresionismo alemán). Seguidores
los puntillistas Paul Signac, Henri Edmond Cross
y Vlaho Bukovac.
Georges Seurat París (1859-1891). Fundador del
Neoimpresionismo. Calificado como
neompresionista, se definía a sí mismo como
Cromoluminarista, inicia un movimiento pictórico
donde la ciencia marca las pautas para la
creación y la percepción de sus obras.
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Ejes plásticos y fisonomía Denotación
(Cómo se organiza la imagen? espacio de la
superficie)
Formas Ausencia de ángulos da la impresión de
líneas redondeadas y sinuosas que componen al
paisaje y sus personajes.
Composición Transposición de planos (Primero,
segundo y último plano). Horizontalidad del
paisaje Vs. Verticalidad de personas y árboles.
Sujetos en grupos dispersos que sirven como punto
de fuga para la mirada (está claro que el paisaje
continúa, de modo que el cuadro captura un
fragmento de un todo, mostrándose como
sinécdoque).
Colores Paleta de cálidos y fríos en armonía,
donde predomina el juego de valores (a la sombra,
al sol).
Texturas Las líneas fragmentadas (como bordadas
punto a punto), sugieren suavidad en las formas.
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Valoración histórica - Connotación
Qué comunica, qué muestra, qué cuenta? (Espacio
más allá del marco) En esta obra figurativa, el
artista nos enuncia un paisaje típico burgués
una tarde de domingo, cuando los parisinos
(pequeños comerciantes, vendedoras, empleados,
funcionarios) se trasladan en tren y en barco a
la isla de la Grande Jatte a relajarse en
familia. De entre los personajes resaltan las
damas con sombrillas y sombreros, con faldas
largas y talle ceñidísimo en corsé, resaltado por
enormes armadores llamados cul de París, de
moda a finales del s. XIX niños jugando y
caballeros de sombrero de copa y bastón. Todos
los personajes que habitan el lienzo permanecen
hieráticos, sin mirarse los unos a los otros.
Incluso el hombre y la mujer del primer plano
parecen caminar uno junto al otro sin siquiera
tocarse(1). Debida a esta peculiar forma de
representar a la sociedad parisina, el cuadro ha
dado lugar a numerosas interpretaciones que van
de la reflexión sobre la alienación del sujeto
citadino, a la condena sobre el mortal
aburrimiento (Ernst Bloch llamó al cuadro un
mosaico de aburrimiento, la miseria del domingo,
un paisaje suicida). Dato interesante Para la
época en que Seurat hace esta representación, la
isla estaba saturada de locales comerciales y
talleres de construcción de barcos que no parecen
figurar en el idílico paisaje natural. También
cabe destacar que aún se peleaban los derechos
laborales de hombres y mujeres en Francia, por lo
que resulta bastante peculiar que el pintor
hubiese elegido representar una escena del deber
ser y no de lo que realmente era el paisaje.
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Artista como enunciador visual-textual A nivel
del código (Expresión), el cuadro sirve como
documento de una nueva técnica el
cromoluminarismo, divisionismo o puntillismo
donde, en lugar de mezclar los pigmentos en la
paleta, los colores son aplicados directamente
sobre el lienzo, punto por punto. La línea
inexistente (mosaico de puntos de colores puros)
plantea una fórmula óptica (2) basada en
experimentos con la luz realizados por Eugène
Chevreul y revisados por el artista en el texto
La ley del contraste simultáneo de los colores
(1839). A nivel del contenido, lo representado
evoca un deber ser social y no una realidad
histórica la familia burguesa debe descansar
después de una semana de trabajo. Sin embargo no
pasa desapercibida la ausencia de rasgos de los
rostros (que bien pudiera deberse a la ausencia
de detalles en la técnica) y la postura firme,
como detenida (recordando a las procesiones de
los frisos del escultor griego Fidias (3), donde
los personajes desfilan sin aparente contacto).
Lector modelo La pintura proyecta un enunciador
visual empírico, un espectador (espacio más acá
del marco) que desde su mirada fusione los puntos
como diversas tonalidades (la retina de quien
mira y su relación espacial con el cuadro define
su iconicidad). Por esto el cuadro exige que se
le mire desde una distancia media o desde una
perspectiva lejana (espacio del marco). La
cooperación interpretativa se da pues, entre un
pintor que propone una nueva forma de mirar, y un
espectador que le sigue el paso al comprender el
propósito de la técnica.
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Plano de la Expresión (lo denotado) Plano del contenido (lo connotado)
Cromoluminismo / Puntillismo. Énfasis en la confección (largos períodos de investigación, experimentación y creación). Obras de gran formato complejidad técnica (da la impresión de un trabajo calculado, calibrado). Bocetos capturados, composición del cuadro desde el taller / laboratorio. Inmovilidad de los personajes (planos), monumentalidad. La obra describe, mas no narra. Tiempo detenido. Incomunicabilidad, hermetismo, ambigüedad semántica.




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• Intertextualidades verticales o paradigmáticas
  (espacio de la superficie) y horizontalidades
  semánticas
• Espíritu experimental de los impresionistas Si
  bien los impresionistas salieron a pintar al aire
  libre para poder capturar las tonalidades de la
  luz natural, Seurat volvió a su taller que
  convirtió casi en un laboratorio para poder así
  sistematizar los colores complementarios,
  esforzándose por adaptar a su trabajo los
  resultados de las investigaciones científicas
  (4). La mencionada obra de Chevreul así como la
  Teoría científica de los colores de Ogden
  Nicholas Rood eran los libros de cabecera para
  Seurat en aquel tiempo, según el crítico Félix
  Fénéon.
• Obras precursoras de la técnica en el mismo
  Seurat (ratio difficilis?) Tanto el tema de la
  Île de la Grande Jatte y la apariencia bucólica
  de los paisajes y sus habitantes ociosos habían
  aparecido con anterioridad en la obra de Seurat,
  aunque fue el cuadro objeto de este análisis el
  primero con gran formato (casi 2x3 mts.). Es
  decir, Seurat parece revisitar el tema en su
  intento por lograr un cierto resultado en la
  representación, posicionando la técnica por
  encima del tema de representación.

Los bañistas de Asnières (1884-1886) y El Sena en
la isla del Gran Jatte (1884-1886)
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Valoración histórica (Cómo,
por qué ha trascendido esta obra?)
El cuadro objeto de este análisis no parece
narrar una historia por el contrario, se hace
muy cercano (casi una traducción visual) respecto
a los relatos de costumbre tan de moda en la
época, si pensamos en Balzac y los autores
naturalistas que se encargaron de describir
tipos humanos más que de construir personajes
concretos en su literatura. Por eso el título del
cuadro podría engañarnos como espectadores al
exigirnos un trabajo de reconocimiento (donde lo
observado es entendido como la representación de
algo que existe), cuando en realidad propone un
trabajo de ostensión (donde lo observado es
entendido como representación de una clase de
algo). En efecto, la valoración histórica del
cuadro que se desprende del tratamiento del tema
queda en entredicho si atendemos a las
características reales del paisaje
representado en cambio, el cuadro funciona como
un dispositivo que describe pequeñas acciones
significantes de unos sujetos en un tiempo
detenido, como un relato costumbrista. La falta
de roce entre los personajes y sus enormes
proporciones acentúan esta sensación de
aislamiento del momento, de completa inmovilidad
y monumentalidad casi de estatuas. En el cuadro
no parece latir ni un antes ni un después, es
pura duración, como el ocio que mata el tiempo
para estos personajes anónimos y distantes. Su
valoración histórica se debe más bien a su
carácter experimental esto explica el desprecio
a la obra en los salones, la fama póstuma del
autor, la residencia en Chicago de uno de las
obras maestras del siglo XIX.
9
Referencias (1) En Los secretos de las obras de
arte (2005), de Rose-Marie y Rainer Hagen. Tomo
II, pág. 683. Tashen. (2) En Ismos para entender
el arte (2007), de Stephen Little. Pág.
Turner. (3) En Los secretos de las obras de arte
(2005), de Rose-Marie y Rainer Hagen. Tomo II,
pág. 682. Tashen. (4) En Arte del siglo XX
(2005), de Karl Ruhrberg. Volumen II, pág. 13.
Tashen.
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El arte es armonía. La armonía es la
analogía de elementos tonales similares y
opuestos, de color y línea acordes con su
predominio y bajo la influencia de la luz, en
combinaciones alegres, serenas o tristes. Los
contrarios son en cuanto al tono, uno más
luminoso o claro en contraste con uno más oscuro
cromáticamente, los complementarios, por ejemplo
cierto rojo opuesto a su complementario, etc.
linealmente, los que forman un ángulo recto. La
alegría tonal es determinada por el predominio de
la luz la cromática, por el predominio de la
calidez la lineal, por las líneas que sobrepasan
la horizontal. La serenidad tonal es determinada
por el equilibrio entre luz y oscuridad la
cromática, por el equilibrio entre calidez y
frialdad, y la lineal, por la presencia de
horizontales. La tristeza tonal es determinada
por el predominio de la oscuridad la cromática,
por el predominio de los colores fríos y la
lineal, por las líneas descendentes. G. Seurat
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Jonathan Burton Summer reading. Hommage à Seurat
(2009). Acuarela.
12
Imagen para TV promocional de la última temporada
de la serie The Office.
13
Otro de las muchos juegos intertextuales de Los
Simpsons.