Diapositiva 1

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TEMA 25 Los primitivos flamencos del siglo
XV. Los hermanos Van Eyck
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      En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes
se convierten en sedes de una importante escuela
pictórica, que para muchos autores supone ya los
inicios del Renacimiento. Tiene sus orígenes en
el gótico internacional y su mayor aportación al
arte europeo será su progresiva captación de la
realidad, que se inspira en la escultura y que se
verá favorecida pro la nueva clientela la
burguesía. Las características del estilo
flamenco son -         Innovación técnica. El
trabajo de pintura al óleo que permite realizar
superficies muy lisas y los cuadros ganan en
color, luz y juegos de trasparencias, además de
un trabajo lento que da lugar al
virtuosismo. -         Desarrollo de la pintura
sobre tabla -         Minuciosidad y gusto por el
detalle. Las obras se conciben para ser
contempladas de cerca, y por eso se recrean
detalles. -         Introducción del retrato a
través de la imagen del donante -        
Valoración de la luz -         Interés por la
reproducción de los objetos de la vida cotidiana,
como las escenas burguesas en interiores, con
muebles, cuadros y diversos objetos. -        
Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del
horizonte o en los brillos de las
aguas. -         Naturalismo y realismo. Un
enfoque cercano lleva a los pintores a una
representación veraz de la realidad, captando
todos los detalles. -         Creación de un
espacio pictórico, como consecuencia del realismo
y el naturalismo con que se realizan las
obras   Una primera generación de pintores, está
compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van
Eyck, Roger Van Der Wyden, Campin y Patinir. En
la segunda generación de pintores flamencos, que
se extiende a lo largo de la segunda mitad del
siglo XV y principios del siglo XVI, destacan
pintores como Memling, Gerad David, y El Bosco.
En España, la influencia flamenca destaca en los
catalanes Luis Dalmau y Jaume Huguet en
Castillo sobresale Bartolomé Bermejo, Jorge
Inglés y Fernando Gallego.
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HERMANOS VAN EYCK

• EL POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO es la obra
  maestra de estos hermanos. Contiene una gran
  diversidad de temas. Destacar su tabla central
  con la Adoración del Cordero Místico, en que la
  geometría y la suavidad de la luz, el color
  matizado y la arquitectura que dibuja el paisaje,
  nos ofrece una visión perfecta del primitivismo
  flamenco.

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JAN VAN EYCK Pintor flamenco que trabajó en
Brujas y, junto con Robert Campin en Tournai, fue
fundador de la Ars Nova (arte nuevo), estilo
pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que
anuncia el renacimiento en el norte de Europa.
Este periodo del arte flamenco se caracteriza por
el naturalismo de vívidos colores al óleo, la
meticulosidad de los detalles, la precisión de
las texturas y por el logro de la ilusión óptica
de espacios tridimensionales sobre superficies
bidimensionales. Es probable que Jan van Eyck
fuera oriundo de Maaseik, provincia de Limbourg.
En 1422 trabajó en La Haya para Juan de Baviera,
conde de Holanda. En 1425 Felipe el Bueno, duque
de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo
que conservó hasta su muerte. La relación que
mantenía con el duque era tan buena que éste le
encargó algunas misiones diplomáticas secretas,
le hizo regalos por el bautismo de uno de sus
hijos e incluso intercedió por él al enterarse de
que tenía problemas para cobrar su sueldo. Lo
poco que se sabe de su primera época hace que se
dé gran importancia a la relación artística que
mantenía con su hermano Hubert. La oscuridad que
rodea a la figura de Hubert ha provocado
especulaciones y debates interminables entre los
historiadores del arte y hasta se ha llegado a
sostener que tal hermano nunca existió. Hoy se
admite que pudo participar en la pintura de
algunas obras que parecen ser de la primera época
de van Eyck.
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POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO.
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El Políptico de la Adoración del Cordero Místico,
también conocido como Políptico de Gante o el
Altar de Gante es un retablo o conjunto de
cuadros o tablas pintadas al óleo por los hemanos
Hurbert y Jan van Eyck, para el altar mayor de la
Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante. La
tabla central que representa la escena de la
Adoración es una obra fundamental en la historia
de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de
visión naturalista, resultado de ampliar sobre
una tabla, escenas y representaciones que hasta
entonces solo fueron accesibles a los conocedores
de las miniaturas. El panel central interior del
políptico, junto con los paneles interiores de
las puertas representa una composición basada en
un pasaje del Apocalipsis de San Juan (7.9) que
dice  "Después de esto, vi que había una
multitud tan grande que nadie no la habría podido
contar. Eran gentes de todas las naciones,
tribus, pueblos y lenguas. Permanecían de pie
delante del trono y delante del Cordero, vestidos
de blanco y con palmas en las manos, proclamaban
en voz alta  La salvación viene de nuestro
Dios, que se sienta en el trono, y del Cordero."
El políptico normalmente se mostraba cerrado,
con las escenas menores de la parte exterior de
las puertas visibles, pero en las festividades se
mostraba abierto, con los paneles interiores
visibles, entonces se revelaban sus mejores
figuras, escenas y colores. Una serie de
referencias esotéricas que llenan el retablo de
simbolismo escondido, muy del gusto de los
pintores flamencos junto a referencias cultas a
la pintura italiana del Trecento, a Giotto e
incluso a su contemporáneo, el pintor
renacentista Masaccio, confieren al cuadro un
notable interés, ya que Jan, el autor del panel
central, fue capaz de reelaborar los elementos
simbólicos dentro de los elementos visibles. Pero
es su aportación innovadora a la representación
de la realidad y al desarrollo del espacio
pictórico lo que sitúa este retablo como un hito
en la historia del arte que marca ya la
transición del gótico al Renacimiento. En la
escena contemplamos una campiña con la ciudad de
Gante al fondo. Esta campiña presidida por el
trono del Cordero es un espacio que alberga un
despliegue efervescente de miles de figuras y
detalles prodigiosamente concretos. Una ola de
luz penetra toda la naturaleza, liga sin
brusquedad todos los ambientes y une
armoniosamente todas las materias, desde las
telas de los ropajes y los metales de las
hebillas y coronas, hasta la piel de los rostros
o las hojas de los árboles y los edificios del
fondo.
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Cristo
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S. Juan Bautista
La Virgen María
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Ángeles
Músicos
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El trabajo. Consecuencia del pecado original
Caín matando a Abel
Adán
Eva
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(No Transcript)
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Adoración del Cordero (símbolo de Cristo)
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La tabla central representa la adoración del
cordero místico, cordero que simboliza a Dios y
que es adorado encima de un altar. La sangre
brota de su pecho y llena el cáliz. La paloma del
espíritu Santo está sobre él y diversos ángeles
con instrumentos de la pasión e incensarios están
arrodillados adorándolo. Todo ello simboliza la
Eucaristía
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Los ángeles llevan los instrumentos de la Pasión
de Cristo
La Santa Cruz
La columna de la flagelación
Los Látigos
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En primer término hay una fuente rematada por un
ángel es la fuente de la vida y de ella mana el
agua de la vida eterna. Simboliza el bautismo y
la conversión al cristianismo. Dos semicírculos
de personajes rodean la fuente, arrodillados en
actitud de adoración. Los profetas, junto con los
patriarcas a la izquierda y los apóstoles a la
derecha junto con Papas y obispos.
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La Iglesia Católica
Las mujeres mártires
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Papas y Obispos
Paganos y judíos
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Los ermitaños
Los caballeros de Cristo
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Los peregrinos
Los jueces
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La Iglesia
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El extraordinario detallismo de la naturaleza.
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POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO. Cerrado
El Arcángel San Gabriel
La Virgen María
San Juan Evangelista
San Juan Bautista
La donante. Lysbette Borluut
El Donante. Joos Vigdt
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LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLLINJAN VAN EYCK.

• Se mezcla lo REAL y lo DIVINO.
• Lo VULGAR y lo SAGRADO.
• El SILENCIO con el RUIDO.
• Estamos ante el mejor PAISAJE de Jan Van Eyck
• Tema el Canciller está orando en un palacio y se
  le aparece la Virgen.

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(No Transcript)
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MATRIMONIO ARNOLFINI. JAN VAN EYCK.
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Análisis HistóricoMatrimonio de un rico
comerciante de la floreciente ciudad italiana de
Lucca (llamado Giovanni de Arrigo Arnolfini con
Giovanna Cenami ), afincado en Brujas (Bélgica)
que desempeño cargos de importancia en la corte
de Felipe el Bueno de Borgoña (a cuyo imperio
pertenecían entonces los Países Bajos y de cuya
corte era pintor el autor de la obra), llegando a
ser gobernador de finanzas de Normandia y a
amasar una gran fortuna con los impuestos sobre
las importaciones comerciales.
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Análisis ArtísticoLa aportación de los pintores
flamencos con la técnica del óleo a la pintura
del Renacimiento posterior, será esencial pues
esta pintura denominada de caballete y en
formato pequeño, es minuciosa detallista y con
clara tendencia naturalista, los verdaderos
creadores, son los hermanos Van Eyck, nacidos
cerca de Maastrich, en este caso se trata de Jan
que junto con su hermano también realizo el
Retablo de Cordero Místico para la catedral de
San Bavon en Gante (Bélgica)
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Análisis Formal Representación pictórica de 2
personajes masculino y femenino cogidos de la
mano, de pie, ricamente ataviados a la manera de
la alta sociedad flamenca con ampulosos y
coloridos ropajes, con sombrero y él y velo ella,
dentro de una estancia iluminada de izquierda a
derecha, de gran estética hogareña, en la que se
aprecian varios objetos que junto con las figuras
forman una composición simétrica
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Análisis Funcional El cuadro parece cumplir una
doble función- en primer lugar, aparece el
testigo conmemorativo de un enlace
matrimonial.- en segundo lugar, el retrato de
dos importantes miembros de la alta sociedad
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Análisis Simbólico-El perro Fidelidad
marital.-La vela Fe y esperanza para estimular
la fertilidad.-El rosario de cristal la
Pureza.-Santa Margarita con el dragón a los pies
patrona de los partos o-Santa Marta al lado de
la escobilla, patrona del hogar.-Espejo testigo
y certificación legal del hecho, además de Vía
Crucis religioso con las escenas de la pasión
alrededor.-La cama el ciclo de la vida, la
continuidad del linaje.-La naranja alude al
origen Mediterraneeo de los desposados y por
afinidad con la manzana, a la inocencia frente al
pecado.-Los zapatos pisar descalzos el suelo
asegura la fertilidad.
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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Espejo testigo y certificación legal del hecho,
además de Vía Crucis religioso con las escenas
de la pasión alrededor.
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(No Transcript)
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La naranja alude al origen Mediterráneo de los
desposados y por afinidad con la manzana, a la
inocencia frente al pecado.
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El perro simboliza la fidelidad marital.
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Los zapatos pisar descalzos el suelo asegura la
fertilidad.
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(No Transcript)
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Una original interpretación del Matrimonio
Arnolfini. Fernando Botero
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VAN DER WEYDEN

• Van der Weyden se inspira en la ESCULTURA, de ahí
  los FONDOS LISOS.
• Es una GRAN COMPOSITOR DE ESCENAS y retrata
  modelos muy delgados y huesudos.
• Sus obras están llenas de DRAMATISMO

DESCENDIMIENTO DE CRISTO
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(No Transcript)
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Tal vez sea este el cuadro más importante de este
pintor, incluído entre los primitivos flamencos.
De Van der Weyden conservamos grandes obras en el
museo del Prado y en el Monasterio de El
Escorial. El descendimiento de la cruz es un
encargo que recibió Van Der Weyden de la cofradía
de ballesteros (arqueros) de Lovaina y ya en la
época causó una gran sensación, convirtiéndose en
un cuadro muy popular. Lo más llamativo en
principio es la maestría del pintor para
encuadrar en un espacio reducido y cerrado por un
fondo dorado como si fuese un muro, a diez
figuras de gran tamaño, casi natural. El tema ha
sido muy repetido en la historia del arte, pero
Van Der Weyden nos crea una atmósfera especial
con respecto al episodio que lo hace
irrepetible. Se trata de la tabla central de un
tríptico del que se han perdido las tablas
laterales. Los personajes se disponen con arreglo
a un único plano, no encontramos perspectiva que
nos cree la ilusión de lejanía, sólo existe el
primer plano, cerrado por un telón de oro. Sin
embargo la falta de perspectiva la compensa el
pintor con una poderosa corpulencia de las
figuras, lo que, junto con un dibujo muy marcado,
un ligero sombreado tras los personajes y unos
pliegues en los paños muy volumétricos y muy
angulosos, nos produce una sensación de
tridimensionalidad de tal intensidad, que la obra
se nos asemeja a un retablo esculpido y las
figuras son casi escultóricas, parecen relieves.
Por si fuera poco, puedes observar unas tracerías
en los ángulos que imitan madera tallada como la
de los retablos esculpidos y ello añade verismo a
la sensación de corporeidad de los presentes
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(No Transcript)
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La disposición de los personajes bíblicos es muy
inteligente y meditada, la composición parece
enmarcada por dos figuras que adoptan la postura
de dos paréntesis curvos, San Juan a la izquierda
y María Magdalena a la derecha. El centro focal
lo preside la cruz, resaltada en altura
sobresaliente en el formato de la obra. Las
figuras de Jesucristo y de la Virgen María se
articulan en dos líneas paralelas inclinadas, con
una postura muy similar y las manos muy
próximas. Estas manos nos muestran la diferencia
de color entre un fallecido (tono grisáceo) y la
de la Virgen, que está viva aunque desmayada y
presenta un tono pálido. Además estas manos son
consideradas como las mejores de esa época en
cuanto a expresividad y transmisión de
sentimiento. El resto de los personajes son
también tratados con enorme minuciosidad, vemos a
un joven que descuelga el cuerpo del crucificado,
otro personaje tiene un tarro de perfumes en su
mano, delante de él está José de Arimatea quien
sujeta los pies de Cristo y viste con gran lujo y
refinamiento.
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. El tratamiento de las figuras resulta
tremendamente efectista y más allá de lo real,
tanto por la expresión de sus sentimientos como
por el tratamiento minucioso de sus vestidos. En
el azul del manto de la virgen o en los
espectaculares bordados en oro de la capa de José
de Arimatea, el grosor de las capas, los rostros
de sufrimiento y dolor profundos, los turbantes,
todo está tratado con sumo detalle y preciosismo.
Esto es verdaderamente difícil porque el tamaño
de las figuras es muy grande y, cuanto mayor
tamaño, más dificultad en perfeccionar los
detalles. Y éstos resultan espectaculares, en
las lágrimas de algunos personajes, tan reales
que nos recuerdan cristales brillando, las uñas
de las manos, los cabellos y las barbas con pelos
individualizados, los nudos de la madera de la
escalera y las texturas y apliques del
vestuario. Por el suelo de hierba hay una
calavera y huesitos deperdigados, según la
tradición serían los restos mortales de Adán, el
primer hombre, que hubiera sido enterrado al pie
de la cruz , esperando la venida de Cristo y, por
tanto, la resurrección de los muertos. La
potencia excepcional de los colores se debe a la
restauración de 1.993, que rescató la portentosa
gama cromática original.
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El joven que ayuda a descender el Cuerpo de Cristo
Los personajes
María de Cleofás
El portador del frasco
S. Juan
María Magdalena
Cristo
La Virgen María
José de Arimatea
Nicodemo
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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EL BOSCO. ONÍRICO.

• El Bosco vivió a caballo entre el s. XV y XVI.
• Es muy conocido en España por la colección de
  Felipe II.
• Se puede definir como ORIGINAL, CARICATURESCO,
  ALEGÓRICO, IRÓNICO, BURLESCO, FANTÁSTICO,
  ONÍRICO
• Es precursor del SURREALISMO.
• Esta mentalidad tan especial tiene una
  explicación
• Durante su infancia vivió un incendio, se crió
  entre ajusticiamientos públicos y sermones
  apocalípticos.
• El Bosco tuvo el valor de
  pintar a los
• hombres como son por
  dentro
• Fray José de Sigüenza

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Pese a ser casi coetáneo de Jan Van Eyck, sus
figuraciones y técnicas son notablemente
diferentes. Técnicamente pintaba alla prima, es
decir, con la primera pincelada de óleo, sin
demasiados retoques ni pinceladas. Sin embargo,
el análisis de cada una de sus obras demuestra
que hacía un concienzudo y detallado proyecto
antes de la ejecución innova, asímismo, en la
gama de colores, con tonalidades más contrastadas
y atrevidas. En cuanto a la figuración, El Bosco
se destaca por representar a personajes santos
como sujetos comunes y vulnerables (total
diferencia en esto con Van Eyck, y en cambio
mucha similitud con Matthias Grünewald). Es tan
patética la vulnerabilidad de los personajes
santos representados que les hace queribles por
empatía. Prácticamente todos los personajes que
representa tienen algo de caricatura. Lo que
quizás primero llama la atención de todo aquel
que observa una obra de 'El Bosco' es su
"surrealismo" -avant la lettre- sintetizado con
el típico expresionismo teutónico. En sus obras
abunda el sarcasmo y la imaginería de tipo
onírico,y lo grotesco. Una de las explicaciones
para esto es que 'El Bosco' aún se encuentra
imbuido por la cosmovisión medieval repleta de la
creencia en hechiceras, la alquimia, la magia,
los bestiarios, los tesaurus, las hagiografías...
Además, en el 1500 abundaron los rumores
apocalípticos. Esto incide para que 'El Bosco'
intente desde sus pinturas dar un mensaje
moralista, si bien de un moralismo nada pacato
sino, por el contrario, satírico y si 'El
Bosco', tiene mucho de medieval, por otra parte
nos anticipa al humanismo de la Edad
Moderna. Tras su muerte, el rey Felipe II,
conociendo la colección que de las obras de 'El
Bosco' había hecho Felipe de Guevara, se interesó
por su obra, adquiriendo varias de sus pinturas
la atracción que Felipe II tenía por las obras de
'El Bosco' es curiosa en su dormitorio del
Monasterio de El Escorial mantenía al célebre
Jardín de Las Delicias. Ha influido en pintores
casi contemporáneos suyos, tales como Pieter
Brueghel, y Pieter Huys. En el siglo XX es
notorio su influjo en expresionistas como Ensor,
o surrealistas como Max Ernst y Dalí.
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EL JARDÍN DE LAS DELICIAS
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El Jardín de las Delicias es la obra cumbre del
pintor holandés El Bosco, incluida en la
exposición permanente del Museo del Prado de
Madrid. Está realizado en óleo sobre tabla, y sus
medidas son de 206 x 386 cm. Data del año 1503 y
es un tríptico compuesto por una tabla central y
dos laterales. En la historia del arte es
considerada como una de las obras más
fascinantes, misteriosas y atrayentes. Es una
obra de gran simbolismo, que todavía no ha sido
completamente interpretada. Sin embargo, es
aceptado el que la obra tuviera una intención
moralizante, comprensible por la gente de la
época, ya que, por ejemplo, Felipe II, alguien
poco sospechoso de herejía, estuvo interesado y
adquirió el cuadro.
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(No Transcript)
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EL JARDÍN DE LAS DELICIAS Cerrado
Tradicionalmente, la imagen que muestra el
tríptico cerrado se ha interpretado como el
tercer día de la creación. El número tres era
considerado un número completo, perfecto, ya que
en sí mismo encierra el principio y el fin. Y
aquí al cerrarse, se transforma, en el número
uno, en el círculo, de nuevo nos permite
vislumbrar la perfección absoluta y, quizá, a la
trinidad de divina. En la esquina superior
izquierda, aparece una pequeña imagen de Dios, y
en la parte superior se puede leer la frase,
extraída del salmo 33, Ipse dixit et facta sunt.
Ipse mandavit et creata sunt, que significa Él lo
dijo, y todo fue hecho. Él lo mandó, y todo fue
creado. Otros interpretan que pudiera representar
la Tierra tras el diluvio.
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La tabla central es el Jardín de las Delicias,
propiamente dicho. Un falso paraíso en el que la
humanidad ya ha sucumbido en pleno al pecado,
especialmente a la lujuria y se dirige a su
perdición. Decenas de símbolos diferentes, cuyas
claves sólo pueden sospecharse, pueblan este
espacio opresivo y angustioso en el que la locura
se ha apoderado del mundo. Aparecen tanto hombres
como mujeres, blancos y negros, desnudos. Se
muestran todo tipo de relaciones sexuales y
escenas eróticas, principalmente heterosexuales,
pero también homosexuales u onanistas. Además,
aparecen también relaciones eróticas o sexuales
entre animales, e incluso entre plantas.
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La Fruta las cerezas, frambuesas, fresas, uvas,
madroños, etc., son una clara alusión a los
placeres sexuales. En la Edad Media, la expresión
coger fruta equivalía a tener comercio carnal.
Pero, al mismo tiempo, las frutas simbolizan la
fugacidad de dichos placer, pues pasan en unos
días de la frescura a la putrefacción Los
pájaros, como el Petirrojo son también símbolos
eroticos, en concreto de la lascivia. Las
extrañas estructuras que aprisionan y oprimen a
los personajes, a veces son como pompas, otras
como costras, o conchas. Dan a conocer
indirectamente que el pecado se apodera del ser
humano, lo corrompe y atrapa para siempre. Los
estanques no son limpios, sino focos de
concupiscencia, fuente y origen de todos los
males que refleja la pintura de hecho, en
aquella época, referirse al baño podía aludir a
Venus y, por lo tanto, al amor carnal. Al fondo
está la fuente de la eterna juventud. Plagada de
diminutas figuras mujeres desnudas junto a
edificaciones de arquitectura caprichosas donde
se agazapan entes malignos. Más cerca, el
estanque del adulterio, en el que se bañan las
muchachas, mientras los hombres cabalgan en
círculo alrededor, pavoneándose y montando todo
tipo de animales reales o fantásticos (caballos,
jabalíes, osos. leones, unicornios, grifos...).
Se ha interpretado el uso de esos animales como
símbolos de la lujuria, mientras que las mujeres
que se encuentran en el centro del estanque,
llevan tocados de pavos reales, símbolo de
vanidad. En la parte inferior de la tabla, se
puede apreciar otros dos elementos simbólicos. En
la esquina inferior derecha, se ven
representados, en una cueva, a Eva y Adán. Adán
está señalando a Eva de forma acusatoria. Esto se
ha interpretado como de nuevo una
reponsabilización de esa situación hacia la
mujer. Además, en la esquina inferior izquierda,
hay un grupo de hombres que están señalando hacia
la tabla anterior, la del jardín del Edén, y se
ha interpretado como una advertencia de los
peligros de la tentación, de Eva.
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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El panel izquierdo
En este panel izquierdo, se representa al fondo
la Fuente de la Vida y en primer plano el jardín
del Edén cuando Dios acaba de crear a Eva, y se
la está presentando a Adán, sin embargo, el
destino del ser humano ya está escrito en esta
escena, ya que junto al primer hombre y la
primera mujer aparece el Árbol de la Ciencia (una
palmera), cuya fruta estaba prohibida y el Árbol
de la Vida (un exótico drago). Dado que en el
siguiente panel se representa un mundo lujurioso,
se ha interpretado como una representación de los
males del universo, que comenzaron con la mujer,
continuando con esa idea Medieval. A los pies de
ambos, sendos estanques de los que salen
sabandijas, reptiles, aves de mal agüero e
insectos, todos ellos con un aspecto maléfico.
Estas alimañas van invadiendo todas las tablas
del tríptico. Al parecer, porque no hay nada
seguro, para el Bosco, estos animales simbolizan
la perversidad de las personas ya que hacen
referencia a la naturaleza primitiva e instintiva
del hombre.
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El árbol de la ciencia del bien y del mal
Dios Padre
Adán
Eva
Sabandijas. Símbolo del mal
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El pecado femenino lo personifica en los bichejos
que se arrastran por la tierra (insectos y
reptiles) o nadan por el agua (anfibios y peces),
ya que, de los Cuatro Elementos (tierra, agua,
fuego y aire), la tierra y el agua eran
consideradas esencias pasivas llenas de
fecundidad que, como la mujer, reciben la
semilla. El pecado masculino lo representan las
alimañas que vuelan (insectos voladores, aves,
murciélagos), ya que el aire es considerado un
elemento activo, asociado al fuego y opuesto a la
tierra, por lo tanto, masculino. El demonio está
escondido en los estanques y las rocas que son,
para El Bosco, la guarida de los espíritus
malignos. Por ejemplo, en la fuente de la vida
vemos una estructura entre mineral y orgánica,
con un orificio por el que asoma una lechuza, un
explícito símbolo de la malicia, que también
aparece en El Carro de Heno. A su derecha, una
roca cuya forma es el rostro oculto del Diablo,
del que surge la serpiente que se enrosca al
Árbol de la fruta prohibida. Se ha discutido en
alguna ocasión la presencia de animales reales,
pero extremadamente exóticos, en la época de El
Bosco, como jirafas, elefantes, leones,
leopardos, cuando África era prácticamente
desconocida en Europa. El autor sólo pudo tener
referencia de esas bestias a través de los
Bestiarios mitológicos medievales (que sin duda
superó con creces) y los dibujos que comenzaban a
circular gracias a la imprenta, sobre todo los
que tenían Egipto como tema principal,
70
La lechuza
El demonio, con forma de roca
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Animales. Símbolos del bien
Animales. Símbolos del mal
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El jardín del Edén
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El panel derecho
También conocido como El infierno musical, por
las múltiples representaciones de instrumentos
musicales que aparecen. Se ignora porqué El Bosco
asocia la música con el pecado. La tabla se puede
dividir en tres niveles. En el nivel superior se
ve la típica imagen del infierno, con fuego y
torturas. Ese incendio, que realmene representa
el paisaje nocturno de una ciudad en llamas, se
ha relacionado con un trauma del pintor, que vió
como su localidad natal era pasto del fuego
cuando era niño. La crítica parece coincidir en
que el cuchillo unido a las dos orejas es un
genital masculino, mientras que la gaita que un
monstruo sostiene sobre la cabeza podría ser un
elemento homosexual o, tal vez, femenino.
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(No Transcript)
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(No Transcript)
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En la parte central, aparece un mundo onírico,
con criaturas fantásticas, y cuya figura central
en un "hombre-árbol", que se ha interpretado en
numerosas ocasiones como el rostro del propio
artista y que con un torpe vendaje intenta
ocultar una llaga producida por la sífilis. Sus
brazos, son como troncos de árbol y están
descansando sobre barcas. Su tórax está abierto y
hueco, y en su interior hay más seres. Debajo de
él, hay un lago helado, sobre el que patinan
algunos condenados, mientras el hielo se
resquebraja. En la Edad Media se consideraba el
contraste entre el frío y el calor como una de
las torturas del infierno.
77
(No Transcript)
78
Destaca un personaje con cabeza de ave rapaz
sentado en un retrete. Se piensa que podría ser
Satanás devorando a los condenados y defecándolos
en un pozo negro en el que otros personajes
vomitan inmundicias o excrementan oro. Bajo el
manto de Satanás una mujer es acosada por un ente
cuya cara es un espejo donde se refleja ella
misma
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(No Transcript)
80
En la parte inferior, aparecen lo que sería el
infierno musical propiamente dicho, en donde los
instrumentos musicales aparecen transformados en
instrumentos de tortura. Es un simbolismo de lo
que ocurre a la gente del panel central, del
Jardín de Las Delicias, debido a su
comportamiento.
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El Bosco (1450-1516). Se llamaba Hieronymus Van
Aken, apodado Bosch (por su pueblo Den Bosch o
's-Hertogenbosch), en Holanda) tuvo una vida
acomodada, ya que se casó con una mujer adinerada
(Aleyt van Mervende). A pesar de vivir como un
opulento burgués, estaba obsesionado con la
religión, el pecado y el sexo. Se ha especulado
mucho acerca de las ideas que, quizá, le
sirvieron de inspiración tal vez fuera un
visionario, un hereje, un obseso sexual, o
cofrade de alguna secta herética aunque todo
parece indicar que no fue nada de eso,
simplemente era un moralista culto y comprometido
éticamente con una causa, cosa que difícilmente
apreciamos en Van Eyck, por ejemplo.