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économie de la culture et du spectacle
vivantMaxime legrand

• Lartiste dans une économie de marché 
• La question de la place d lartiste dans la
  société.

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Introduction

• Dans bien des sociétés, lart ne sest pas
  manifesté comme une activité spécifique trouvant
  en elle-même sa raison dêtre, mais plutôt comme
  lauxiliaire dautres fonctions, bénéficiant
  alors de leurs bases économiques.
• Lorsque lart revendique son autonomie, les
  compétences artistiques sont conduites à
  rechercher dautres bases économiques.
• A linvention  moderne  de lart correspond la
  nécessité dune nouvelle architecture économique
  des arts, et de la pertinence de cette dernière
  dépendra la viabilité du système et de la
  condition artistique.

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1. La notion dartiste  perspectives historiques.

• Dans lantiquité, Atristote reconnaissait deux
  capacités 
• la première consistait à savoir suivre un
  raisonnement 
• la seconde à faire preuve dune certaine
  intelligence ou intuition.
• Lorsque le terme dart apparait il sagit de
  souligner lexistence dune méthode adéquate, et
  suivie de manière rigoureuse, pour atteindre les
  résultats recherchés.
• Au Moyen Age, on trouve une classification entre
  des arts dits libéraux et des arts mécaniques.
  Lartiste nest pas créateur  il fait, mais seul
  Dieu Crée.
• A légal des autres travailleurs manuels, les
  artistes se sont regroupés dans des ateliers qui
  produisent et vendent eux-mêmes le produit de
  leurs activités.
• Le fait de devenir un artiste nest pas
  nécessairement le fruit dune vocation, mais
  plutôt celui du choix des parents mettant en
  apprentissage leurs enfants à lâge de onze ou
  douze ans.
• Ces ateliers fonctionnent comme de véritables
  entreprises. Lartiste est technicien avant
  dêtre artiste et il lui faut tout savoir faire
  dun bout à lautre de la chaîne. Bien entendu,
  une certaine division du travail sagence.
• Jusquà la fin du Moyen Age, et depuis
  lantiquité, les figures de lartiste et de
  lartisan ne sont donc pas clairement dissociées.

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• Cest au cours des XVIIème et XVIIIème siècle, au
  moment où seffectuait la grande division entre
  artisanat et art, que la notion dœuvre dart
  apparut clairement
• Cest au XVIIIème siècle seulement que la notion
  de beauté ou même de génie simpose au-delà de
  celle daptitude ou de capacité. (cf. Vasari)
• On voit apparaître des biographies dartistes.
  Louvrage de Vasari décrit dailleurs les
  artistes de lAcadémie florentine à légal des
  artificiers qui ont atteint une grande renommée,
  mais pas encore comme des êtres à part.
• Les artistes donnent des autoportraits
  deux-mêmes, tel Dürer qui se peint en Christ.
• Enfin on voit apparaître la notion dartiste de
  cours  celui-ci nest plus un artisan et se
  déplace comme il lentend sans avoir à respecter
  les normes des guildes locales.
• La transformation des ateliers. Ils vont
  considérablement se développer et diviser le
  travail en conséquence. Certains ateliers vont
  ainsi atteindre une taille souvent démesurée, tel
  celui de Raphaël. Mieux encore, certains ateliers
  vont devenir de véritables holdings, telle la
  bottegha du Titien à Venise  il détient des
  intérêts dans toute une série dautres ateliers
  qui travaillent dans des domaines connexes, tel
  le bois.
• Aristocratie et artistes se considèrent désormais
  comme quasi égaux, ce qui change bien entendu la
  nature des contrats et des commandes. Autrement
  dit, les artistes deviennent auteurs.
• Cest alors que la notion dartiste va apparaître
  de plus en plus en opposition avec celle
  dartisan.
• Lartiste est censé découvrir ce qui existe
  plutôt que de copier ou recopier.
• Il doit témoigner de lesprit ou du genius plutôt
  que de lingenius.

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• En fait, la différenciation des deux modèles de
  lartiste et de lartisan va sappuyer sur trois
  éléments 
•  
• Le premier est la formation. Avec lAcadémie, le
  maître ne compte plus et seul le savoir théorique
  importe. En fait, ce savoir théorique se ramène
  surtout au dessin, et la grande différence vient
  de ce que les ateliers faisaient surtout
  lapprentissage des couleurs, là où les académies
  apprenaient le dessin. Une différence apparaît
  aussi dans la distanciation entre professeurs et
  élèves. On assiste alors à la mise en place dun
  modèle vocationnel fondé sur la notion de don. A
  travers ce modèle, on assiste à la reconnaissance
  croissante de la personne, de la spécificité et,
  donc, de la créativité qui sinstaure.
• Le second élément de différenciation important se
  joue au niveau de la rétribution. Un critère
  immatériel sajoute désormais (et que lon
  retrouvera dune certaine manière dans laura de
  lœuvre dart développée par Benjamin), lié à la
  personnalité du peintre.
• Le troisième élément porte sur le statut social
  de lartiste. En fait, le véritable clivage se
  situe désormais entre théorie ou science, et arts
  ou pratiques. On va opposer arts, métiers et
  manufactures, traduisant une dégradation
  croissante de linventivité, mais surtout une
  distinction entre activité noble et des activités
  laissées au peuple. On voit alors apparaître, ou
  réapparaître, lutilité comme ligne de
  démarcation. Alors le terme dartiste se verra
  attribué dans lEncyclopédie, une dimension
  intellectuelle et lidée dun libre choix.
• Ces différents éléments de différenciation
  témoignent de lapparition de lindividu-artiste
  tel que nous le connaissons encore aujourdhui.

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2. Lartiste dans la cité aujourdhui Artiste
et économie de marché  une reconnaissance
socio-économique difficile à trouver.

• Les gens de théâtre 
• Lacteur a gagné en tout état de cause bien plus
  que lauteur. Cela était dailleurs lié au fait
  que les répertoires étaient étroits, ce qui
  faisait que les acteurs étaient mieux assurés de
  la permanence de leur activité que les auteurs.
  En outre, ils pouvaient cumuler leur fonction
  avec celle de directeur et même dauteur, le
  meilleur exemple étant celui de Molière, qui
  aurait touché plus du double comme acteur et
  directeur de la troupe que ce quil touchait
  comme auteur.
• En fait, on saperçut que la faiblesse de plus en
  plus notable dans le temps des revenus dauteurs
  et même des acteurs nétait pas due à la
  grivèlerie des administrateurs de théâtre, mais à
  la faiblesse du marché. Les pièces étaient peu
  jouées. Lopéra navait pratiquement pas de
  public avec, en 1778, 112 abonnés seulement. Pour
  lensemble des théâtres parisiens, les quatre
  cinquième des recettes provenaient des places
  deux fois supérieures au prix moyen. Quant aux
  spectateurs, ils purent bientôt passer trois
  heures dans les music-halls, pour un prix vingt
  fois inférieur.

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• Quelques éléments socio-économiques plus
  généraux
• Tout le monde saccorde à reconnaître que les
  artistes reçoivent des rémunérations plus faible
  que la moyenne.
• Aux Etats Unis, cet écart serait de lordre de
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• En Angleterre et en Allemagne, on retrouve des
  écarts comparables.
• En France, il serait de 10 à 30 selon les
  secteurs dactivités.
• Même en Russie, où les artistes ont longtemps
  connu un statut plus favorisé, le revenu
  artistique est inférieur de près de 30 par
  rapport à la moyenne au début des années 80 pour
  atteindre le seuil de 40 dans les années 90.
• Une des enquêtes menées en Nouvelle-Angleterre
  montre que les revenus artistiques ne
  représentent que 46 des revenus des artistes.
  Leur revenu dactivité moyen est inférieur de
  1,6 au revenu moyen des travailleurs alors que
  leur niveau de qualification est supérieur de
  16,6, à celui du reste de la population. Cette
  situation des artistes est en outre aggravée par
  le fait que le coût de leurs activités sont
  souvent élevés et peuvent largement lemporter
  sur leur revenus. Ce déficit est en général
  comblé par des revenus non artistiques.
• Lune des dernière études, publiée par lUE en
  2006, détache deux traits
• la fragilité de lemploi des artistes (plus dun
  quart sont des travailleurs à temps partiel alors
  que cette proportion nest que de un sur six en
  moyenne) 
• la sous-rémunération (alors que les artistes sont
  relativement plus qualifiés que la moyenne deux
  sur trois ont une formation supérieure contre un
  sur quatre pour le reste de léconomie leur
  rémunération est inférieure de 10).
• Mais une chose est de constater la fragilité
  économique des artistes, voire la fatalité
  économique de leurs situation, une autre est den
  faire une conséquence intrinsèque de léconomie
  de marché.

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2. Lartiste dans la cité aujourdhui
Perspectives philosophiques sur lartiste face à
léconomie  le problème contemporain de
lartiste dans la cité.

• La nouveauté en soi, cest-à-dire qui nest pas
  déjà comprise dans un besoin qui la précède, ou
  plus généralement dans une cause qui la provoque,
  ne peut apparaître que dans un espace vierge et
  dénué de finalité. Cest, en quelque sorte, le
  thème de lart pour lart qui sera repris par les
  romantiques au XIXème siècle.
• Mais il ne sagit pas de dire ici que les œuvres
  dart sont dénuées dutilité ou de fonction. Il
  sagit simplement de dire que ces fonctions, ou
  cette utilité, ne peut précéder lœuvre dart ni
  être contemporain de sa création. Si tel nétait
  pas le cas, nous retomberions dans la figure dun
  artiste artisan qui cherche à élaborer un
  stratagème, ou une innovation pour répondre à une
  demande, un besoin ou un problème.
• Ainsi donc, lœuvre dart au moment de sa
  création est gratuite
• Et cest peut-être là une première explication à
  la difficile place de lartiste dans notre
  société contemporaine. Dans une économie de
  marché, il est évidemment difficile de donner une
  valeur économique à une chose qui, pour exister,
  ne peut en avoir de prime abord. Cest une fois
  que le besoin, ou la fonction de lœuvre dart
  sera reconnu et revêtu par elle que sa valeur
  déchange pourra être fixée.
• De plus, en tant que créateur de nouvelles
  valeurs, lartiste soppose constamment aux
  valeurs instituées. Il est un trouble fait. Une
  source danomie.
• Pour reprendre une phrase de Nietzsche, lartiste
  cest celui qui peut dire   je suis né
  posthume .

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• Cependant, la valeur de lart est souvent
  justifiée par sa dimension sociale.
• Le débat a dabord été ouvert par ceux qui se
  sont intéressés à la capacité des arts à fonder
  une vie en communauté, ou au contraire, à la
  dissoudre, certains auteurs, comme Rousseau
  cultivèrent ces deux positions à la fois.
• Le débat réapparait aujourdhui sous une forme
  privilégié et moralisatrice, celle de
  lopposition entre des médias aliénants et un art
  salvateur.
• Mais le véritable changement est venu de la
  naissance du concept desthétique, puisque
  lœuvre dart ainsi identifiée était supposée
  améliorer ceux qui en bénéficiaient sur le plan
  moral, spirituel et émotionnel.
• Pour Hegel, lart modère la sauvagerie des
  désirs.
• Pour Shelley, les poètes sont les fondateurs de
  la société civile puisquils stimulent
  limagination, elle-même instrument du bien
  moral.
• Mais bien loin de penser que ces facettes soient
  incompatibles, nous allons maintenant essayer de
  cerner comment elles peuvent ce rejoindre dans
  une voie qui pourrait permettre aux artistes
  contemporains de trouver une nouvelle place dans
  nos sociétés.

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2. Lartiste dans la cité aujourdhui
Lartiste comme modèle dinnovation et de
réenchantement  Lartiste, lentreprise et leur
possible collaboration.

• Plusieurs choses semblent se dessiner aujourdhui
  concernant la place de lartiste dans une
  économie de marché, et plus généralement dans nos
  sociétés.
• La première concerne le lien qui semble
  réapparaître entre le monde de lentreprise et le
  monde lart. Comme nous lavons vu précédemment,
  lartiste de la Renaissance faisait preuve de
  compétences proches de celle de lentrepreneur et
  du gestionnaire.
• De plus, lart comme création est avant tout
  prise de risque et productions de nouveaux
  besoins, de nouvelles fonctions et de nouvelles
  valeurs. Tout ce qui est aujourdhui recherché
  par les entreprises pour se démarquer de leurs
  concurrentes.
• Lun des partenariats possibles est alors le
  mécénat. Le premier argument alors invoqué par
  les entreprises mécènes est le prolongement de
  leur capacité dinnover. Il ne sagit pas
  seulement dinnovations technique ou
  technologique, mais tout simplement de ce que
  lentreprise en soi est un pôle dinitiative et
  de créativité qui a aussi besoin dêtre stimulé.
• Les arts sont aujourdhui également utilisés pour
  stimuler la consommation. Les espaces commerciaux
  contemporains sont de plus en plus aménagés pour
  conduire ceux qui y viennent à dépenser le plus
  possible, quils sagissent de grands magasins,
  de bateaux, de casinos, etc. Il sagit là de
  véritables cathédrales de la consommation, de
  lieux enchantés, voire sacrés, aux yeux des
  consommateurs. Mais pour les attirer, il leur
  faut renforcer en permanence leur caractère
  magique.
• La thèse de Weber sur le désenchantement du monde
  permet de comprendre comment les arts peuvent
  créer ce caractère enchanteur. Pour Weber,
  léconomie capitaliste est une économie hautement
  organisée et rationalisée de telle sorte que
  toutes ses structures, y compris celles de
  consommation, finissent par exercer une emprise
  des plus pesantes sur les personnes qui y vivent.
  La recherche de rationalisation conduit à une
  société aride et formalisée quil convient donc
  de rendre plus agréable en la ré-enchantant. Il
  faut y introduire des magiciens, des rêves et de
  la fantaisie (cf. Maffesoli). Les lieux de
  consommation doivent être sacrés, et
  laménagement du Bon marché à la fin du XIXème
  siècle traduit cette volonté.

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Conclusion

• De lartiste-artisan à lindividu-artiste, et
  jusquà lartiste dans les perspectives qui
  souvrent à lui dans la collaboration avec les
  entreprises, sa place dans la société a fortement
  évoluée. De nombreuses raisons socio-économiques
  sont à invoquer. Mais il y a aussi, comme nous
  lavons vue une trame, peut-être plus profonde,
  qui se dessine au travers des notions dart et
  dartiste.
• Créateur et destructeur de valeur, producteur du
  radicalement inédit, lartiste est ses œuvres
  dérangent, sans doute, les institutions en place.
  Cependant, sa capacité et ses processus de
  création sont indispensables au renouvellement
  social et culturel, et même plus, au
  renouvellement économique dans une certaine
  mesure.
• Ainsi, si lon peut penser, au premier abord, une
  opposition fondamentale entre les artistes et
  léconomie de marché des sociétés contemporaines,
  en seconde lecture il nen reste plus
  grand-chose. On ne peut que souhaiter que la
  collaboration entre artistes et entrepreneur se
  développe et sétende, et ce bien au-delà du
  mécénat. En effet, il semble que ce soit par là
  que passent à la fois une humanisation de
  léconomie de marché, mais aussi le regain et le
  développement des arts.